tag:blogger.com,1999:blog-61778905932121183202024-03-05T08:13:47.712-08:00Sonidos en el caféQue sueneAlexandros Demoshttp://www.blogger.com/profile/05242339329175547869noreply@blogger.comBlogger13125tag:blogger.com,1999:blog-6177890593212118320.post-15737267052510418682013-08-18T04:20:00.001-07:002013-08-18T10:25:25.839-07:00Generación de mierda (breve recuento y homenaje de la obra de Jorge González)<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqLfY8ygIaTEhZ-ZK8dAKm4mYAnPYy0s96UdsYltrq_XvPFk0ECkdAMFbb_4tQkB-xZ5pFcL9tJSQWvkCTPefaI73ND66Cqywk67_LP-4lxvqZTNrYmWRCrFvi_AMEguo8nkRrZPyiO6o/s1600/Los+Prisioneros.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="310" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqLfY8ygIaTEhZ-ZK8dAKm4mYAnPYy0s96UdsYltrq_XvPFk0ECkdAMFbb_4tQkB-xZ5pFcL9tJSQWvkCTPefaI73ND66Cqywk67_LP-4lxvqZTNrYmWRCrFvi_AMEguo8nkRrZPyiO6o/s400/Los+Prisioneros.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div align="right" class="MsoNormal" style="text-align: right;">
<i><span lang="ES-PE"><br /></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: right;">
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<i><span lang="ES-PE">A </span></i><span lang="ES-PE">mí<i> generación de mierda.<o:p></o:p></i></span></div>
<div align="right" class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE"> La BBC de Londres ha dedicado al cantautor
peruano Pedro Suarez Vértiz un artículo titulado “<i>El rockero peruano que dejó de articular palabras</i>”<a href="file:///C:/Users/Alexandros/Desktop/LOS%20PRISIONEROS%20Jorge%20Gonzales%20Generaci%C3%B3n%20de%20mierda.docx#_ftn1" name="_ftnref1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="ES-PE" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-PE; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></a>,
la importancia del artículo es directamente proporcional a la contribución a
nivel mundial de Pedro al Blues o la literatura. No obstante el primer
párrafo de dicho artículo me recordó la
visión, no sólo latinoamericana, sino internacional de la (muy pobre) escena rockera
de nuestras tierras. Este señala: “<i>En
1986, en plena explosión del rock en español en América Latina, detonado desde
Argentina por Charly García y Soda Stereo, surgió en Lima el grupo Arena Hash,
que hizo historia para ese género musical en Perú</i>.” <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSr2FviEfsECQIZeTvSTXuQB0T1pLQx3h6ZeH1zPxSt3hw7Tsi8ve-LQXTDZyj-hTVq6Q05xmpGGmeX0b944VqjZVmxwlbX9fm_BEoqFlh5DAPmqf938ZBzRYJSBogn6mDu8CnmzPQSm4/s1600/index2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSr2FviEfsECQIZeTvSTXuQB0T1pLQx3h6ZeH1zPxSt3hw7Tsi8ve-LQXTDZyj-hTVq6Q05xmpGGmeX0b944VqjZVmxwlbX9fm_BEoqFlh5DAPmqf938ZBzRYJSBogn6mDu8CnmzPQSm4/s1600/index2.jpg" /></a><span lang="ES-PE">En 1982 un
adolescente chileno, que a la sazón acababa de cumplir 17 años, <i>Jorge González</i>, estaba componiendo
canciones cuyos temas líricos no sólo atacaban, en pleno apogeo, a la dictadura
militar de Pinochet, y con esto el paradigma de derecha (<i>Latinoamérica es un pueblo al sur de EEUU, Mentalidad televisiva</i>),
sino que se adelantaba a la crisis propia y centrada de su época para atacar los
paradigmas de izquierda (<i>Nunca quedas mal
con nadie, No necesitamos banderas</i>). Como si no bastase que un chico de 17
años tenga la visión suficiente para renegar y no embelesarse con el discurso
de izquierda, que en aquel tiempo, aunque de forma secreta, se elevaba como la
panacea a los males del país –y el mundo-, González elevaría su voz para cantarle por
igual al amor (<i>Paramar</i>) o hacer una
ácida crítica –que interpreta y critica -no idealizo o exagero- al mejor estilo
de la doctrina psicoanalítica- el uso de la sexualidad en el mercado y la
insaciable compulsión humana en su búsqueda, y su eterna insatisfacción (<i>Sexo</i>). Otras canciones como <i>Brigada de negro</i> o <i>La voz de
los ochenta</i>, criticarían y alimentarían a su generación, elevando la
metáfora rockera a arquetipos universales, que, en plena actualidad, han
sobrevivido el paso del tiempo para mantenerse con la misma identidad y
frescura que hace más de 30 años. Musicalmente hablando se alejaría de la
balada fácil, artilugio que en Argentina los artistas populares dilataban hasta
el infinito, agotando un exhausto sentimiento anglosajón concebido para vender
discos y embelesar adolescentes, detrás del cual no podemos encontrar el menor
resquicio de identidad u honestidad.
González, muy influido por una banda de protesta inglesa, <i>The Clash</i>, jugaría y fusionaría, dándole
una identidad propia, el <i>Punk, </i>con el<i> rockabilly</i> con el <i>Ska</i> y el <i>Reggae<a href="file:///C:/Users/Alexandros/Desktop/LOS%20PRISIONEROS%20Jorge%20Gonzales%20Generaci%C3%B3n%20de%20mierda.docx#_ftn2" name="_ftnref2" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><b><span lang="ES-PE" style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-PE; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[2]</span></b></span><!--[endif]--></span></a>,
</i>añadiendo posteriormente sonidos electrónicos y góticos. Todo esto en medio
de una de las más represivas dictaduras latinoamericanas. Alejarse del
paradigma de <i>Los Beatles</i>, que era
explotado en nuestras tierras en esas fechas, particularmente en Argentina, era
un primer gran paso; criticar virtualmente toda postura política –acercándose
sin candidez a una seria postura anarquista- analizar y criticar su sociedad, y
llegar a construir verdaderos monumentos a las eternas cuestiones humanas (el
amor, el deseo, la ilusión de progreso) acercaba a González a una especie de
mezcla entre <i>William Shakespeare</i> y <i>Holden Caulfield</i> latinoamericano. La
tragedia para González es vivida desde una esquina del mundo olvidada, como él
bien sabia, y donde la sangre joven, con la cual él se ilusionó en un primer
momento (<i>La voz de los ochenta</i>), no es la víctima de los problemas, ella era –y
es- <i>el problema</i>. <b><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE">En 1984 saldría la primera placa de González,
acreditada a <i>Los Prisioneros</i>, agrupación
que no era sino un vehículo para que
Gonzales, el motor, corazón y cerebro del proyecto, pudiera alzar a la palestra
su intensa y sobria visión del mundo. Siempre he tenido la impresión que
González, sabiendo lo que tenía entre manos, abrigó la esperanza de una
revolución contracultural, una especie de Mayo del 68´latinoamericano, ver
arder a los hombres viejos y ponerse a la obra los jóvenes (la imagen es de <i>Manuel González Prada</i>). Cual no sería su
desilusión al ver postrada a su generación, y ver en el reflejo de sus ojos a
mansos corderos y vacas engrasadas para el matadero cultural. A la primera
placa le seguirían dos más con un sonido más electrónico (<i>Pateando piedras, 1986; La cultura de la basura, 1987</i>) donde la
crítica social –y crítica hacia sí mismo <i>(We
are sudamerican rockers</i>, <i>De la
cultura de la basura</i>)- seguía siendo el pie guía, y una última placa con un
integrante menos de Los Prisioneros (<i>Corazones,
1990</i>) donde González demostraba su lado más íntimo y personal, y donde
expuso probablemente una de las melodías más reconocibles, duraderas y sobre
todo sensibles, de la (muy pobre) escena pop rock latina, <i>Tren al sur</i>. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE">Sólo la escena <i>underground</i> de Chile conocía a Los Prisioneros, tras su primera
placa la dictadura pinochetista prohibió la venta de sus posteriores discos en
su país. En Argentina <i>Charly García</i>
escondía lo que –sólo él- consideraba una crítica ácida a la dictadura (<i>Los Dinosaurios</i>) para que pudiera pasar
la censura y ser programado en radio, y con eso seguir una <i>vida del jet set</i> (<i>Soda Stereo</i>).
González llenaba la plaza de Acho en Perú y los sótanos de Santiago, enfrentado
de cara a un pueblo que, aunque lo seguían, no lo entendían; las palabras de
González debe haberles sonado a un rumor extraño, tan lejos de ellos como
pueden estar las obras críticas de <i>Bernard
Shaw</i> o la desobediencia civil que propugnaba <i>Henry David Thoreau</i>.
La popularidad y “homenajes” que le han seguido a la agrupación desde su
disolución han seguido la misma ruta: absorbieron un mensaje honesto y lo
mercadearon; si no desapareces, el sistema te integra. Merece, siempre ha
merecido, un homenaje a la altura de su pasión.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinscmVeUYu8kK9GRPokObFGL_IfVB0FfNEU2XpSmifTkX7Xik7ecb7RGo6ZtR3qMV3wvaFS2k4OWYWkvBn3fcLizBD-coJNhYWFuL1fx0Cg5PAInURBXb7Dh2dk6LGng5JgGBnx-vcuLQ/s1600/El+Futuro+Se+Fue.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinscmVeUYu8kK9GRPokObFGL_IfVB0FfNEU2XpSmifTkX7Xik7ecb7RGo6ZtR3qMV3wvaFS2k4OWYWkvBn3fcLizBD-coJNhYWFuL1fx0Cg5PAInURBXb7Dh2dk6LGng5JgGBnx-vcuLQ/s200/El+Futuro+Se+Fue.jpg" width="200" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE">EMI recopilaría un “grandes éxitos” (1991) de
Los Prisioneros que se convertiría en la plataforma para su masificación.
Convenientemente, y con la venia de la agrupación, EMI descartó las canciones
más ácidas de González, haciéndolos pasar por unos jóvenes confundidos que gustaban
del rockabilly y el ska. González sería acusado por sus seguidores más fieles
de vendido, y razón no les faltaba, aunque esto de ninguna manera mengüe la
importancia de sus logros anteriores. EMI, totalmente conforme con este nuevo
González de apertura a las masas y tierna sensibilidad baladista, firmaría un
millonario contrato. En 1993 González sacaría su primer disco solista, que
llevaba su nombre, pensado y destinado a convertirse en lo que fue: un éxito de
ventas. Según dicen –quizás romantizando la situación- González no toleró las
críticas, pero sobre todo no toleró la persona en quien se había convertido, lo
que desencadenó sus graves problemas con la cocaína y pastillas para
dormir. En 1994 González se metería a un
estudio alemán y compondría lo que fácilmente puede ser considerado el disco
más interesante de la (muy pobre) escena rock pop latina de todos los tiempos, <i>El futuro se fue</i>. El disco era un reto
directo a su disquera, quienes virtualmente habían privatizado el talento de
González. Si su primer disco homónimo fue un gran éxito de ventas, guiado por
sus baladas tiernas e introspección superficial, había sido, musical y
artísticamente hablando, un fracaso completo. El futuro se fue, previsiblemente, fue
un rotundo despropósito y fracaso de ventas, pero un gran éxito artístico, que
es, entendemos algunos, pero no entiende ni le interesa a EMI o a las estaciones de radio, el que lleva en sí
intrínsecamente un verdadero valor. González expuso y exorcizó demonios en
canciones como “<i>Culpa”, “El futuro se
fue”, “Quien canta su mal espanta”, “Nacer” y “Poder”</i>, donde por momentos
la resquebrajada confusión mental de González asemeja a las ingenuas, fracturadas
y honestas composiciones de <i>Syd Barrett</i>
(<i>1970</i>) o <i>Alexander Spence </i>(<i>OAR, 1969</i>).
A las fusiones que ya había explorado como líder de Los Prisioneros, agregó guitarras
de <i>Víctor Jara</i>, progresiones de <i>Los Jaivas</i>, percusión autóctona, sonidos
<i>Avant garde</i>, <i>Jazz</i>, <i>electrónica</i> y <i>slides</i> desconectados y fragmentados al
mejor estilo de <i>Captain Beefheart</i>. La
existencia de este disco en un medio tan estéril como América Latina, es la
confirmación de que González estaba y siempre estuvo muy lejos de sus pares
latinos. EMI sintió el disco como una afrenta y puso fin al contrato. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE">En 1996 González compondría “<i>Cumbia Triste</i>”, una fusión de cumbia con
música electrónica, pero sobre todo una de las más sensibles y honestas cumbias
jamás compuestas. La añadió como parte de un disco de <i>covers</i> de cumbias que, más allá de la composición original, no
tiene mayor mérito (<i>Gonzalo Martínez y
sus Congas Pensantes, 1997</i>). González, con su intensa curiosidad artística
había, una vez más, cambiado de dirección musical. González, quizás sin saberlo
o sin reconocer su verdadero alcance, también había cambiado la dirección
musical de Sudamérica, acababa de gestar la <i>cumbia
electrónica</i>, que llevaba al extremo los sintetizadores que se usaban en la
cumbia mexicana, hasta fusionarlos. Su gestación pronto se convertiría en un fenómeno
de masas, y durante más de diez años la cumbia electrónica, influenciada
directa o indirectamente por González, abarcaría
sendos espacios televisivos y radiales en Argentina, Chile, Perú, Ecuador,
Colombia, Venezuela y otros países. Su creación no pasaría desapercibida (pero
nunca señalada) por populares rockeros latinos, <i>Andrés Calamaro</i> exploraría la misma senda en canciones como <i>Tuyo Siempre</i>. Los ecos de esa fusión
vislumbrada por González aun se escuchan en países como Perú, donde bandas como
<i>Bareto</i> han hecho una (muy pobre)
carrera de <i>covers</i> adaptando y
mezclando la electrónica con la cumbia del oriente del Perú (<i>Cumbia, 2008</i>). <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE">González lanzaría un disco más solista (<i>Mi destino: confesiones de una estrella de
Rock, 1999</i>) donde destaca las llanuras de sonido intentando imitar al
descampado de sonido de bandas progresivas inglesas, sin conseguirlo y sin
mérito alguno. Reformaría Los Prisioneros para sacar dos discos de poco o nulo
valor artístico, de dónde puede rescatarse la canción <i>San Miguel</i> que evoca algo de la honestidad de antaño (<i>Los Prisioneros, 2003; Manzana, 2004</i>), y
un disco de <i>covers</i> (<i>En las raras tocatas nuevas de la Rock &
pop, 2003</i>). En el 2013 lanzó <i>Libro</i>,
un disco pop sensible donde González sigue intentando perdonarse a sí mismo y
aceptarse, sin que él, o nadie más, realmente lo encuentren. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE">González actualmente es la sombra de lo que fue
hace más de 20 años, pero la cima artística que consiguió sigue intacta sin
vislumbrarse un sucesor. Musicalmente hablando estuvo muy por delante de sus
colegas latinos, aunque evidentemente no dejara una huella perdurable a nivel
mundial; líricamente hablando no obstante, creo poder decir con seguridad que
no existe, en lengua sajona o en español, un compositor rock pop que haya
sabido señalar con más fuerza y a la vez sensibilidad, la expresión recogida de
un continente entero. Aun la más ácida música de protesta norteamericana, en
todo su catálogo folk y rock (y creo haber escuchado gran parte del catálogo,
latino y norteamericano de folk y rock, desde los compositores más oscuros
hasta los más populares) no ha sabido dar una voz tan firme, irónica e
inteligente. Si Jorge González hubiera nacido o hecho carrera en Inglaterra o
Estados Unidos, sus líricas serian un serio contrincante a voces poéticas
mundialmente reconocidas como <i>Leonard
Cohen</i> o <i>Bob Dylan</i>. González sería
el poeta maldito (probablemente <i>Arthur</i>
<i>Rimbaud</i>, que le cantaba a la
menstruación de las niñas en su primera comunión) frente a aquellos, que son el
<i>Walt Whitman</i> de su generación. El
hecho que sobre él recayera la maldición de la fama, convirtió su verdadero
arte en un lugar común que pasa desapercibida o es ojeada y descartada por
músicos y letristas de “música seria”. Estuvo condenado entre las grandes
masas, que nunca lo entendieron verdaderamente, y el “rock de elite” que nunca
lo aceptó (y tampoco lo entendió). Habiendo nacido y desarrollado su arte en
Latinoamérica, González siempre estuvo condenado al lugar que ocupa: una
curiosidad poco afortunada de una época ya ida, un subproducto de mercado que,
en realidad, ya no hace dinero ni es productivo o rentable. Si existe alguien
tal como señala el antiguo cliché de “<i>incomprendido</i>”,
ese rótulo le pertenece, indiscutiblemente, a Jorge González. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-PE"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigOGRgWYG20ZTjBS72i_0KmsjLcVzzCL3zZz-olB5aB2uzh_5Sy3U0FtwW0Nea_fivLAd0SXpsdCrWAarO00TsRFdp79K8sLpcGLNSY_zjOO0ZVZRvvf3lIAODhkWPO6GSiDSYTcFRgkY/s1600/130810023111_pedro_suarez_vertiz_peru_rock_304x171_chayosaldarriaga.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigOGRgWYG20ZTjBS72i_0KmsjLcVzzCL3zZz-olB5aB2uzh_5Sy3U0FtwW0Nea_fivLAd0SXpsdCrWAarO00TsRFdp79K8sLpcGLNSY_zjOO0ZVZRvvf3lIAODhkWPO6GSiDSYTcFRgkY/s1600/130810023111_pedro_suarez_vertiz_peru_rock_304x171_chayosaldarriaga.jpg" /></a><span lang="ES-PE">González compuso en los ochenta una canción
llamada “<i>Generación de mierda</i>” que da
nombre a este breve homenaje. Cuando la <i>BBC</i>
de Londres honra la obra –independientemente de su lamentable condición- de
alguien como Pedro Suarez Vértiz, y en el mismo párrafo menciona a Charly
García y a Soda Stereo como “<i>detonadores
de la explosión del rock en América latina</i>”, cuando tomamos en cuenta que hace
pocos meses González dio un concierto en una discoteca populosa peruana (evento
que pasó desapercibido sin pena ni gloria) y el día de hoy una banda Argentina
que no ha hecho sino actualizar el <i>ska</i>
y el <i>vallenato</i> filtrados en un muro
de sonido al mejor estilo de <i>Phil Spector</i>,
alborota y pone a bailar a toda mi generación y llena el estadio nacional para
apretarse entre ellos frente al “artista”; entonces yo también quiero señalar,
con la cabeza fría y habiéndolo meditado mucho, que mi generación también es –acaso todas- una Generación
de mierda.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="right" class="MsoNormal">
<span lang="ES-PE" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES-PE;">Aléxandros
Demos Agosto 2013 <o:p></o:p></span></div>
<br />
<div>
<!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<br />
<div id="ftn1">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///C:/Users/Alexandros/Desktop/LOS%20PRISIONEROS%20Jorge%20Gonzales%20Generaci%C3%B3n%20de%20mierda.docx#_ftnref1" name="_ftn1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-size: 9.0pt;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 9.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: EN-US; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span style="font-size: 9.0pt;"> <a href="http://www.bbc.co.uk/mundo/noticias/2013/08/130814_pedro_suarez_vertiz_disartria_rock_peru_jgc.shtml">http://www.bbc.co.uk/mundo/noticias/2013/08/130814_pedro_suarez_vertiz_disartria_rock_peru_jgc.shtml</a></span><span lang="ES-PE" style="font-size: 9.0pt; mso-ansi-language: ES-PE;"><o:p></o:p></span></div>
</div>
<div id="ftn2">
<div class="MsoFootnoteText" style="text-align: justify;">
<a href="file:///C:/Users/Alexandros/Desktop/LOS%20PRISIONEROS%20Jorge%20Gonzales%20Generaci%C3%B3n%20de%20mierda.docx#_ftnref2" name="_ftn2" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: EN-US; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[2]</span></span><!--[endif]--></span></a> <span lang="ES-PE" style="font-size: 9.0pt; mso-ansi-language: ES-PE; mso-bidi-font-weight: bold;">Añado, ya como pie de página
al lado de lo que representa <i>La voz de
los ochenta</i>, que <i>No necesitamos
banderas</i> fue el primer reggae grabado en Sudamérica; en Argentina la banda <i>Sumo</i> había compuesto reggae (liderados
por un italiano que traía nuevos sonidos), pero sólo las había tocado en
presentaciones en vivo; <i>Los Abuelos de la
nada</i> compusieron <i>Sin Gamulán</i>
(1982) y <i>Chalaman</i> (1983) intentando
componer reggae, pero recayendo en un (ingenuo) ska caribeño. La búsqueda y
exploración de nuevos sonidos fue una constante de González.</span><span lang="ES-PE"><o:p></o:p></span></div>
</div>
</div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div>
<!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" /></div>
Alexandros Demoshttp://www.blogger.com/profile/05242339329175547869noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6177890593212118320.post-57578330191684506952012-12-21T10:41:00.000-08:002012-12-21T12:34:15.923-08:00Reflexiones sobre el fin del mundo y la música de Ricardo Arjona: Una defensa del cantautor guatemalteco y una lectura parcial de nuestra generación<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRotc2d8rcOdeizFvuGIr1t0DLv2QSojBEEbInsD_O57d9U8jxtNiHlaCb9y6V3MRK87to2r1W7QFPRRXgGP9QbkPoO_5LumHeHyF0tah59k5iwAN5B-lVi37T3ps-DCRQcBJy0-RB7c8/s1600/Ricardo-arjona-meme.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRotc2d8rcOdeizFvuGIr1t0DLv2QSojBEEbInsD_O57d9U8jxtNiHlaCb9y6V3MRK87to2r1W7QFPRRXgGP9QbkPoO_5LumHeHyF0tah59k5iwAN5B-lVi37T3ps-DCRQcBJy0-RB7c8/s320/Ricardo-arjona-meme.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Desde hace algún tiempo se ha
convertido en cosa común encontrarse con críticas jocosas sobre el cantautor
guatemalteco Ricardo Arjona. Estas críticas se han vuelto mayoritarias <i>ad portas</i> de la anunciada y errada
concepción acerca de una posible destrucción del planeta tierra (en
contraposición al “<i>fin del mundo</i>”, el
cual cada uno de nosotros viviremos indefectiblemente, pero esto es materia de
otro post y en otro espacio). Ciertamente varios de los <i>memes</i> sobre Ricardo Arjona resultan cómicos, y el hecho accidental
que la civilización Maya se haya asentado en el mismo espacio geográfico donde
siglos después naciera Arjona, invita a relacionar la supuesta predicción con
su música, en un momento en que las burlas hacia sus composiciones ya habían
cobrado fuerza independientemente de la predicción citada. El título de este
post podría erradamente invitar a pensar que yo disfruto de su música; nada más
errado. Considero que Arjona, como compositor, es tan malo como cualquier otro
compositor latinoamericano o anglosajón cuyas aspiraciones musicales son tan
duraderas como una democracia latinoamericana y profunda como un charco de agua
estancada. Sin embargo la manifestación cultural anti-Arjona invita a una
reflexión.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>El origen<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Conozco muchas personas que han
hecho suyo el discurso anti-Arjona, lo que cabe preguntarse es ¿por qué Ricardo
Arjona ha sido elegido como la víctima de tal discurso?, ¿es que no existen
otras manifestaciones musicales que sean igual de desastrosas? El reggaetón y
otras “piezas trascendentales” de música popular han sido también víctimas de burla,
sin embargo en honor a la verdad no podemos comparar las benignas melodías “Arjónicas”
y su poesía “Nerudiana”, con las
agresivas paráfrasis reggaetoneras y su discurso donde exhiben una magnífica
prosa de película triple X. Pero aun así me atrevería a señalar que muchos
están más dispuestos –o predispuestos- a reconocer algo divertido y jocoso en
el reggaetón antes que aceptar siquiera una cualidad positiva en la música de
Ricardo Arjona. Quizás este ensañamiento contra el cantautor guatemalteco se
deba a sus pretensiones. En la canción <i>Quién
diría</i> dice ser “<i>un trovador</i>”, y
en otra ocasión tuvo un intercambio de palabras acerca de los méritos musicales
respectivos con Fito Paez<a href="file:///C:/Documents%20and%20Settings/Alexandros/Desktop/Reflexiones%20sobre%20el%20fin%20del%20mundo%20y%20la%20m%C3%BAsica%20de%20Ricardo%20Arjona.docx#_ftn1" name="_ftnref1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: ES-PE; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></a>. Otra
posible explicación puede ser lo que los griegos llamaban el <i>Ethos</i>; el <i>Ethos</i> de Arjona dista de ser sensible y reflexivo, se acerca más a
la de un busca pleitos de bar o un galán de telenovela mexicana. Aparentemente el
público está dispuesto a aceptar con mayor apertura al “poeta desgraciado”, a
Sabina, quién es un hombre viejo y golpeado por la vida, o más bien golpeado
por el alcohol; a Charly García quien es un flaco inofensivo y golpeado por la
vida, o por las drogas; a Silvio Rodríguez, quien es un dinosaurio idealista,
con look de intelectual revolucionario, y por ende inofensivo. Esto podría estar
relacionado a lo que los norteamericanos llaman el “fenómeno del <i>underdog</i>”. Sylvester Stallone ganó el
Oscar con su primera entrega de <i>Rocky</i>
(1976), en donde encarnó a un hombre fuerte y de buen corazón, pero a todas
luces con serias taras cognitivas. El público está dispuesto a aceptar con
mayor facilidad a quien triunfa en la vida recibiendo golpes en la quijada,
podría ser la moraleja, pues todos tenemos debilidades y nos sentimos, de una u
otra manera, golpeados por la vida; es difícil identificarse con un hombre de
buena presencia y éxito, no activa la sensibilidad en el público masculino,
sino la competitividad, y en el público femenino <i>podría</i> despertar deseo. Otros han señalado que el cantautor
guatemalteco, de plano, plagia<a href="file:///C:/Documents%20and%20Settings/Alexandros/Desktop/Reflexiones%20sobre%20el%20fin%20del%20mundo%20y%20la%20m%C3%BAsica%20de%20Ricardo%20Arjona.docx#_ftn2" name="_ftnref2" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: ES-PE; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[2]</span></span><!--[endif]--></span></a>,
sin embargo esto no es exclusivo de Arjona; Joaquín Sabina, Hernaldo Zuñiga,
Silvio Rodríguez o Joan Manuel Serrat han plagiado ampliamente de poetas
españoles del siglo XIX, de Rubén Darío y de la generación del 27. Que señalen
el plagio de Arjona y no lo encuentren en esos otros autores es parte del
fenómeno, y muestra que el entendimiento popular no puede ver más allá de su
propia generación; todo lo que se encuentre en otro tiempo, en otro siglo, es
desconocido para ellos. Si algo, podríamos “alabar” que Arjona se nutra de sus contemporáneos,
mientras que estos busquen reflejar una filosofía romántica y modernista,
propia de otro siglo. Extrañamente Sabina, Rodríguez y otros han mencionado
también como inspiración al vate César Vallejo, pero si ellos hubieran interiorizado
a Vallejo, su música hubiera impulsado una revolución vanguardista, llevándola
a un nivel de arte propiamente dicho, y su poesía no estaría dirigida a masas
de jóvenes sensibles pero, como Rocky, con taras cognitivas; no hablarían del
amor romántico, sino de la pérdida de la ingenuidad e inocencia en un mundo
desolador, de la <i>muerte</i> del amor
romántico, de la desesperación y confusión de la existencia. Predeciblemente serían
poco menos que poco populares, pero ciertamente con valor artístico (valor que ni
ellos, ni Arjona, tienen). Frente a esto Arjona está “tan sólo un escalón peor”,
es anacrónico pues plagia de los anacrónicos, el plagio de un plagio si
quieren. En cualquier caso estas son especulaciones, y ninguna puede explicar
de forma efectiva el “fenómeno anti-Arjona”. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>El fin del mundo, Arjona, y la alienación<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-kj1GcFkQeAJ-d0NRmhxhtgEzZPFLcn63cPnVWeTPE8yeGv0p5mphlxKXFilycJ8NBFvIAVy9mvCQO1iaKki605qNJQS2qmXfhuLM2E-TD-DXxMH45TTtO_Dkz7QIZeLkKkXPjqklcgA/s1600/cronograma+arjona52354564940693_1751004197_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-kj1GcFkQeAJ-d0NRmhxhtgEzZPFLcn63cPnVWeTPE8yeGv0p5mphlxKXFilycJ8NBFvIAVy9mvCQO1iaKki605qNJQS2qmXfhuLM2E-TD-DXxMH45TTtO_Dkz7QIZeLkKkXPjqklcgA/s320/cronograma+arjona52354564940693_1751004197_n.jpg" width="213" /></a>Si bien difícilmente encontraremos
una respuesta única para explicar el origen de este rechazo, si podemos
diseccionar algo de lo que esconde este fenómeno. Hasta el día de hoy no me he
encontrado a un crítico de la música de Arjona que, a su vez, no esté dispuesto
a alabar la música popular de Héctor Lavoe, Charly García, Calle 13 o los
Beatles, por mencionar algunos al azar; por lo menos a alguno de ellos, y en
muchos casos a todos ellos, o semejantes. Si nos quedamos con estos ejemplos
resulta algo interesante, a nivel social tanto Lavoe, como García, calle 13 y
los Beatles, se encuentran distantes, geográfica y culturalmente. Incluso el
éxito a nivel nacional de bandas como Bareto está anclado a un suvenir foráneo:
Lima y su clase media empezó a consumir la riqueza de la Amazonía, un país
distante que, les hicieron creer, se encuentra bajo el régimen de un mismo estandarte
nacional. Si interpretamos la identificación social, encontramos la tendencia
de la juventud de clase media limeña a una identificación alienada. Hector
Lavoe representa lo más profundo de la cultura popular criolla e incluso del
hampa; Charly García es el máximo exponente de alienación latinoamericana: Rock,
expresión de música norteamericana popular, y rebeldía frente a un <i>status quo</i> consumista (para rebelarse al
<i>status quo</i> consumista, antes tiene
que aceptarse el <i>status quo</i>), Calle
13 está incluido en esta lectura, pero añade ritmos reggaetoneros; los Beatles
son la máxima expresión de capitalismo y conformismo, distante de nuestra generación
en tiempo y espacio. Sin embargo se han vuelto sumamente populares las fiestas
de salsa (y consecuente admiración por Lavoe) en antros burranquinos, y la
idolatría por García y los Beatles es cosa generalizada en las universidades y
demás conglomerados de jóvenes clase medieros. Calle 13 les da la oportunidad
de “bailar reggaetón con conciencia social”, una deshonesta y desnutrida
conciencia social. Curiosamente la edulcorada música de Ricardo Arjona está
mucho más cercana a la realidad de nuestra clase media limeña, que la de
cualquiera de esos exponentes de música popular. Nuestros jóvenes de clase
media no viven ni han vivido la cultura criolla y del hampa –cuanto mucho somos
víctimas de ella-, no se han rebelado frente a nada, y si lo han hecho, no
saben contra qué, y mucho menos han vivido la época hippie o han entendido que
la verdadera significación de “la beatlemania” es una cálida aceptación del
sistema. Los “dramas” románticos de nuestra clase media<a href="file:///C:/Documents%20and%20Settings/Alexandros/Desktop/Reflexiones%20sobre%20el%20fin%20del%20mundo%20y%20la%20m%C3%BAsica%20de%20Ricardo%20Arjona.docx#_ftn3" name="_ftnref3" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 11.0pt; mso-ansi-language: ES-PE; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[3]</span></span><!--[endif]--></span></a>,
se ven mejor expresados en las líricas del guatemalteco, pero como la historia
del hombre que se negaba a ver su propio reflejo en el espejo, se niega la
identificación y reflejo en quien bien podría apadrinar a nuestra generación
por entero. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>El mérito y la interpretación<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Estrictamente hablando ni Lavoe,
Garcia, calle 13 o los Beatles (o muchos más que son populares en el ámbito de
la clase media) tienen mayor mérito musical que Ricardo Arjona. Todos ellos
están o estuvieron adscritos a las tendencias populares y expurgaron de “su
arte” cualquier atisbo de verdadera creación artística, esto es, originalidad,
voz propia y trascendencia. En cuanto a líricas se refiere podríamos hacer un
concurso internacional para dilucidar si las letras de Arjona son peores o <i>mejores</i> que líneas como “<i>por favor no hagas promesas sobre el</i>
bidet” (García), “<i>chipi chipi chipi bon
bon chipi chipi bon bon</i>” (Garcia) o la trascendental “<i>She love you yeah yeah yeah</i>” (Beatles) y no continuo con los otros
ya. El rechazo al guatemalteco no puede hacerse sobre la base de méritos
artísticos. Quienes consumen a esos otros que admiran, evidentemente no
entienden de mérito artístico. Lo que esconde este fenómeno es un profundo
rechazo a identificarse con una parte de sí mismos. <i>Lacan</i> hablaba de la expulsión de “lo que le corresponde a lo masculino”
durante el parto, <i>Deleuze</i> identificó
esta identificación con “lo distinto” con un deseo, es decir convirtió en
fuerza <i>positiva</i> lo que es por
naturaleza de fuerza <i>negativa</i>; la “expulsión”
se hace de manera inconsciente, la joven que danza al ritmo de Lavoe y repudia
a Arjona, no sabe que lo hace a causa de mecanismos que no conoce ni cuál es su
significado en la economía de la psique. Lo que está rechazando es una parte de
<i>sí misma</i>, que <i>realmente</i> es de <i>sí misma</i>,
no requiere de una fuerza positiva (hacia adelante) para rechazar lo que conscientemente
podría identificar como no idéntica a ella (el bebé), o de una proyección a la
base de un deseo. Lacan y Deleuze se equivocaron, pero tampoco cuento por el momento
con una mejor explicación. Si especulo sin embargo, que la joven de mi ejemplo
no quiere aceptar que ella se sentiría más cómoda siendo la musa de canciones
como “<i>Desnuda</i>” o “<i>Quién diría</i>” de Arjona; quiere negar su
propia sensiblería y superficialidad, pero ante la escases de recursos para
recostarse en otros ámbitos, su inadecuación toma asiento en bolsones
alienados, donde la misma sensiblería y superficialidad es excusada por la
lejanía, en tiempo y espacio, consigo misma. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hasta este punto paramos, lo que
se sigue es una interpretación que escapa de este espacio. Podemos redondear
sin embargo ciertas ideas; en primer lugar no hay una explicación coherente y
efectiva para el rechazo, aunque podemos hacer algunas interpretaciones. En segundo
lugar sabemos, aunque no hasta qué punto, que a la base de este y otros
fenómenos similares se encuentra una inconmensurable fuerza alienante, que se
extiende en tiempo y espacio. Probablemente esta misma fuerza se vea
involucrada en fenómenos individuales, como la identificación con el grupo de
referencia. Finalmente, si no fuera popular burlarse de Ricardo Arjona, o
escuchar a los Beatles en el Sargento Pimienta, difícilmente individuos
particulares de nuestra clase media limeña tendrían la misma opinión. Necesariamente
tiene que ser un fenómeno social compartido. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Esto último nos deja con una
triste conclusión: cada vez más, o quizás desde siempre, el individuo se va
perdiendo en la masa, y el pensamiento individual, la crítica y posturas
divergentes, se estandarizan en beneficio de la economía mental. Como diría Arjona, “El problema
no es que lo critiquen, el problema es que no critiquen a los otros.”</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Si me preguntan, este bien puede
ser el fin del mundo, o por lo menos la decadencia de una cultura.</div>
<div>
<!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<br />
<div id="ftn1">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///C:/Documents%20and%20Settings/Alexandros/Desktop/Reflexiones%20sobre%20el%20fin%20del%20mundo%20y%20la%20m%C3%BAsica%20de%20Ricardo%20Arjona.docx#_ftnref1" name="_ftn1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-PE; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></a> <a href="http://www.mdzol.com/nota/198649/">http://www.mdzol.com/nota/198649/</a> </div>
</div>
<div id="ftn2">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///C:/Documents%20and%20Settings/Alexandros/Desktop/Reflexiones%20sobre%20el%20fin%20del%20mundo%20y%20la%20m%C3%BAsica%20de%20Ricardo%20Arjona.docx#_ftnref2" name="_ftn2" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-PE; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[2]</span></span><!--[endif]--></span></a> <a href="http://www.thewildchildren.com/5-razones-por-las-cuales-ricardo-arjona-vale-verga/">http://www.thewildchildren.com/5-razones-por-las-cuales-ricardo-arjona-vale-verga/</a>
(razón quinta: “<strong><span style="border: none windowtext 1.0pt; font-family: "Arial","sans-serif"; font-size: 8.0pt; mso-border-alt: none windowtext 0cm; padding: 0cm;">RICARDO
ARJONA HA HECHO PLAGIO DE CANCIONES DE JOAQUIN SABINA Y DE HERNALDO ZÚÑIGA!!!</span>”)</strong></div>
</div>
<div id="ftn3">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///C:/Documents%20and%20Settings/Alexandros/Desktop/Reflexiones%20sobre%20el%20fin%20del%20mundo%20y%20la%20m%C3%BAsica%20de%20Ricardo%20Arjona.docx#_ftnref3" name="_ftn3" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES-PE; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[3]</span></span><!--[endif]--></span></a> + <a href="http://www.solteracodiciada.com/">http://www.solteracodiciada.com/</a>
esta es una de las tantas manifestaciones del “drama romántico” clase mediero.</div>
</div>
</div>
Alexandros Demoshttp://www.blogger.com/profile/05242339329175547869noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6177890593212118320.post-84145575454328056072012-02-12T03:10:00.000-08:002012-02-12T03:27:12.842-08:00Luis Alberto Spinetta (acreditado a Pescado Rabioso)-Artaud (1973)<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7xfBEhZ3qHuC3m1xzPwRa8MiqXRPj2nAQq_yuzbnGvVoOo7RDVoeyy-gB43L9Pnr9ag70zr9a2AkcMNGnFJx_ocw3vXeRcPn3C5Ka-MQwQb0HU9wjkzhN0nP0nVXO7X2I2n5ZQP17uio/s1600/artaud+-+portada.jpg" style="font-size: 100%; line-height: normal; font-family: Georgia, serif; font-weight: normal; "><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 397px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7xfBEhZ3qHuC3m1xzPwRa8MiqXRPj2nAQq_yuzbnGvVoOo7RDVoeyy-gB43L9Pnr9ag70zr9a2AkcMNGnFJx_ocw3vXeRcPn3C5Ka-MQwQb0HU9wjkzhN0nP0nVXO7X2I2n5ZQP17uio/s400/artaud+-+portada.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5708205118187686002" /></a><p class="MsoNormal" style="font-weight: normal; font-size: 100%; line-height: normal; font-family: Georgia, serif; text-align: justify; "></p><p class="MsoNormal" style="font-size: 100%; font-weight: normal; "><span style="font-family:"Arial","sans-serif""><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;font-size: 100%; font-weight: normal; "><b><span style="font-family:"Arial","sans-serif"">Composición</span></b><span style="font-family:"Arial","sans-serif"">: Luis Alberto Spinetta fue quizás uno de los mejores (o el mejor) y más prolífico compositor de música popular argentino. <i>Artaud</i> es probablemente el disco más representativo de toda su larga y vasta carrera; en esta placa encontramos todo lo que caracterizó a su anterior banda <i>Almendra</i>: melodías pop acompañadas de líricas poéticas, fantásticas y surrealistas, sonido sencillo que remite al folk, así mismo el rock más directo que remite a <i>Pescado Rabioso</i> (<i>Superchería, Habladurías del mundo</i>), así como (aunque muy poca) experimentación que ya había probado en dosis leves en su primer esfuerzo solista (<i>Spinettalandia y sus amigos</i>). En Artaud Spinetta consigue una magnífica mezcla entre melodías pop, Rock, blues, y la ligera deconstrucción de harmonías en búsquedas de progresiones complejas, un sonido propio del “rock artístico” (<i>art Rock</i>) que posteriormente caracterizarían algunos de sus álbumes (Su trabajo en la banda <i>Invisible</i>, o experimentos Rock/Jazz con la agrupación <i>Spinetta Jade</i> o algunos discos solistas inclinados al Jazz, como <i>A 18´del sol</i>). La primera canción de <i>Artaud</i>, “Todas las hojas son del viento”, es un rezago de su exploración de música Pop/Folk en <i>Almendra</i> (sonido del cual luego la banda <i>Sui Generis</i>, liderada por el mediocre <i>Charly García</i> se apoderaría), donde una melodía fácil y agradable es acompañada por la armonía de su propia voz superpuesta y una guitarra. “<i>Cementerio Club</i>” es un blues cabal, cuyo “gancho” y atractivo se encuentra en la sencillez del punteo, que reemplaza así en el espacio que le correspondería a la melodía cantada (<i>hook</i> comercial o estribillo). “<i>Superchería</i>” es la primera exploración interesante de <i>Artaud</i>, <i>Spinetta</i> inicia con un rock/pop típico para deconstruirlo en un rock con un cambio de tiempo bastante marcado, pero <i>Spinetta</i> nunca se sale de “las reglas de juego”, en todo momento puede reconocerse el rock/blues. Esta canción tiene tres movimientos distintos, donde puede observarse con claridad lo que constituye el canon fundamental de <i>Artaud</i>: rock, blues, pop, todo mezclado y superpuesto (leve experimentación), usando la guitarra como bisagra para moverse cómodamente entre estilos distintos. “<i>La sed verdadera</i>” es una canción pop cuya distinción es que en el minuto final se traiciona a sí misma, reemplazando la melodía por sonidos ambientales (podría ser un aeropuerto); más que experimental, su verdadera función es la de abrir paso a la pieza central de <i>Artaud</i>: <i>Cantata de puentes amarillos</i>. En esta canción podemos ver una de las originales influencias de Artaud, que (sin sorprender) nunca ha sido mencionada por virtualmente todos los críticos latinos de música: <i>Stormcock</i> de <i>Roy Harper</i> (1971). Es indudable que Spinetta, un músico en búsqueda constante de nuevos sonidos, había escuchado este disco; probablemente la razón por la que los críticos nunca lo han mencionado (o ni siquiera lo han pensado) como una de las influencias mayores del Artaud de Spinetta, es porque Cantata de puentes amarillos –la canción más lograda de Artaud, y la que remite más al Stormcock de Harper- inicia como una composición blues/progresivo, y Harper está totalmente inmerso en lo que es la tradición folk/progresivo. Lo que Spinetta tomó de Stormcock fueron los magníficos puentes que Harper logra dentro de una misma canción, creando <i>mini-suites</i> donde el compositor puede integrar lo que desee, en el caso de Spinetta el blues. A partir del minuto 4:27 hasta el posterior “mini climáx” (de esa mini-suite) y posterior cambio, podemos oír con toda claridad la influencia de <i>Harper</i>, quien se cierne sobre el <i>Artaud</i> como una sombra, no en colores, pero si en formas. Spinetta logra sacar adelante, salpicándole su propio color y humor, una pieza de 9 minutos que es básicamente un folk-blues progresivo, sin lugar a dudas una de las canciones más importantes de todo el menú de lo que es llamado <i>rock latino</i>. <i>Artaud</i> continua con “<i>Bajan</i>”, un hermoso rock suave conducido por el bajo y pintado por el punteo de guitarra. En “<i>Starosta, El Idiota</i>”, podemos observar una segunda influencia del Artaud que (nuevamente sin sorprender) jamás ha sido mencionada por virtualmente ningún crítico latino de música al hablar de Artaud, el <i>Faust</i> (1971) de <i>Faust</i>. El faust, un disco clave del Krautrock (y uno de los discos de rock más influyentes de todos los tiempos, quizás tan sólo segundo después del primer disco de <i>Velvet Underground</i>), puede parecer –para quienes estén familiarizados con el disco-, una exageración; sin embargo en <i>Starosta</i> la evidencia es directa, de hecho <i>Spinetta</i> hace el mismo truco de estudio que hicieron los <i>Faust</i>, sobre un sonido de piano atonal, y un disco en reversa, y luego de un llanto de bebé (que remite un nacimiento, sobre esto volveré más adelante) se puede escuchar durante breves segundos a los Beatles cantando su infame “<i>she love you yeah yeah yeah</i>” (probablemente la frase más representativa de la superficialidad de la música pop en general, y de la mediocridad de los <i>Beatles</i> en particular). Lo que Spinetta nos está queriendo decir es que está, metafóricamente, “matando” su lado más pop, aquel que lo caracterizara durante su paso en Almendra, así como su lado de rock directo, que lo caracterizara durante su paso por Pescado Rabioso. Efectivamente el Artaud cerraría una puerta pues el siguiente disco de Spinetta sería <i>Invisible</i>, con la banda de mismo nombre, un disco de rock/jazz progresivo. Mi teoría es que Spinetta, un gran músico siempre ávido y con sed de novedad, no podía seguir explorando por el reducido y mediocre campo de la melodía y estructura pop. Remitiéndome a lo que dije en un principio, y aclarándolo, el <i>Faust</i> tiene más influencia en <i>la aproximación</i> de Spinetta a la música, que una influencia directa sobre ella. Spinetta quería experimentar, pero sin alejarse de la música estructurada y de sus propias raíces: el pop, rock y blues. Qué mejor forma de “dar nacimiento” (el bebé que puede escucharse) a esta nueva aproximación a la música, que “asesinando” a uno de sus propios héroes del pasado: Los Beatles. Frente a la avalancha de progresiones complejas del llamado art rock (iniciado por King Crimson), así como las distintas experimentaciones que se estaban dando entre los verdaderos músicos alrededor del mundo, Spinetta no quería quedarse atrás. Finalmente tenemos el cuadro completo, Spinetta en <i>Artaud</i> remoja una seria de (buenas) melodías pop en una aproximación a la música exploratoria, no quería quedarse con el “coro estrofa-coro”, sino darle algo más (cambios de tiempo bruscos, estructuras algo más complejas), y envolverlo todo en rock y blues. La producción del disco da énfasis al bajo y batería, el sonido de la guitarra y voz (mayores conductores de la melodía) se encuentran “opacadas”, sonido que debió haber buscado el propio Spinetta en esta nueva aproximación a la música, y que es parte de la razón por el que se ha elevado a status de culto a este disco. Es, en definitiva, uno de los discos más interesantes e importantes del rock latino<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;font-size: 100%; font-weight: normal; "><span style="font-family:"Arial","sans-serif"">8/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;font-size: 100%; font-weight: normal; "><b><span style="font-family:"Arial","sans-serif"">Ejecución</span></b><span style="font-family:"Arial","sans-serif"">: Luis Alberto Spinetta es el músico principal durante todo el disco, en canciones como Cantata de puentes amarillos es el vocalista y único músico. Lo acompañan correctamente algunos ex integrantes de su banda Almendra, y en un par de canciones su hermano Gustavo Spinetta en batería.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;font-size: 100%; font-weight: normal; "><span style="font-family:"Arial","sans-serif"">7/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;font-size: 100%; font-weight: normal; "><b><span style="font-family:"Arial","sans-serif"">Originalidad</span></b><span style="font-family:"Arial","sans-serif"">: Hemos visto ya algunas de las influencias de Spinetta a lo largo del Artaud, Spinetta logra un disco donde confluye y se unen de forma original una serie de influencias pasando desde el pop/folk, rock, blues, hasta la leve experimentación. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;font-size: 100%; font-weight: normal; "><span style="font-family:"Arial","sans-serif"">7/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;font-size: 100%; font-weight: normal; "><b><span style="font-family:"Arial","sans-serif"">Líricas</span></b><span style="font-family:"Arial","sans-serif"">: Spinetta caracterizó toda su carrera musical por las líricas que acompañan a sus composiciones. Estrofas como: “<i>Toda toda la ternura me darás/si te ofrezco ser/parte de tu cuerpo/y ya al acariciarme me darás/los espejos que son de tu día del alma</i> (Habladurías del mundo)”, son verdaderas joyas de poesía fresca y juvenil. Spinetta en sus poemas es tierno e íntimo. En Artaud Spinetta lleva su inventiva lírica a un nivel surrealista (inspirado, por supuesto, en el poeta que da título a la placa, así como a una conglomeración de artistas surrealistas y expresionistas), por momentos de mucha fuerza (“<i>Que sólo y triste voy a estar en este cementerio”</i>-Cementerio Club), o experimentales (“<i>Clavo, coito, Dios, temor, mujer, por</i>.”-Por). Un poeta en el mejor momento de su poesía desfila por los sonidos de Artaud.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;font-size: 100%; font-weight: normal; "><span style="font-family:"Arial","sans-serif"">9/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;font-size: 100%; font-weight: normal; "><b><span style="font-family:"Arial","sans-serif"">Valoración personal</span></b><span style="font-family:"Arial","sans-serif"">: no es sólo uno de los discos más importantes del rock latino, sino también uno de los más logrados, eclécticos, interesantes y hermosos del pobre canon latinoamericano. De alguna manera (guardando las distancias del caso), el Artaud de Spinetta es tan representativo para el rock Latino como lo es el <i>Astral Weeks</i> de <i>Van Morrison</i> para el rock en general. Uno de mis discos favoritos del rock en español. Luis Alberto Spinetta, uno de los pocos compositores importantes de rock latinoamericano, falleció el 8 de febrero del 2012, deja un amplio legado musical y lírico. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;font-size: 100%; font-weight: normal; "><span style="font-family:"Arial","sans-serif"">9/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="font-size: 100%; font-weight: normal; "><span style="font-family:"Arial","sans-serif""><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;font-size: 100%; font-weight: normal; "><b><span style="font-family:"Arial","sans-serif"">Puntaje general:</span></b><span style="font-family:"Arial","sans-serif""> </span><b><span style="font-size:26.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif"">8/10<o:p></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;font-size: 100%; font-weight: normal; "><b><span style="font-size:26.0pt;line-height:115%;font-family:"Arial","sans-serif""><br /></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="line-height: 115%; font-family: Arial, sans-serif; "><b>Download</b>:<b style="font-size: 26pt; font-weight: normal; "> </b></span><a href="http://www.mediafire.com/?yneyn2nedhm" style="font-weight: normal; font-size: 100%; ">http://www.mediafire.com/?yneyn2nedhm</a></p><p style="font-size: 100%; font-weight: normal; "></p>Alexandros Demoshttp://www.blogger.com/profile/05242339329175547869noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6177890593212118320.post-90061096555585264692011-08-13T11:50:00.001-07:002011-08-14T16:28:58.664-07:00Soda Stereo – Canción animal (1990)<div>
<br /></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhllJ46VXiI2yglkpqr1dQkusldmBGYsvbIeiBi6Mc0ptGsdClMN-Z9KoFSKk69_8WTgZCzLJalQRbdak1ja3iwEygzUWRgHDsGlhfvr0yyf8loLHNGH3thN2HSx6PvapADDzGHo2eGVMw/s1600/Soda_Stereo-Cancion_Animal-Frontal.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhllJ46VXiI2yglkpqr1dQkusldmBGYsvbIeiBi6Mc0ptGsdClMN-Z9KoFSKk69_8WTgZCzLJalQRbdak1ja3iwEygzUWRgHDsGlhfvr0yyf8loLHNGH3thN2HSx6PvapADDzGHo2eGVMw/s400/Soda_Stereo-Cancion_Animal-Frontal.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5640415158962102850" /></a><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Composición</b>: Algunas influencias son tan fuertes que es difícil, o imposible, librarse de ellas. Pueden llegar a ser una carga molesta. Quizás la pregunta a la que le tenía más miedo Gustavo Cerati cuando estaba en vida, haya sido ¿cuál es tu mayor influencia musical? Gustavo Cerati y compañía forjaron una comercialmente exitosa (vendieron más de 7 millones de copias en Latinoamérica) carrera musical plagiando sin vergüenza y sin remordimientos a la banda Irlandesa <i>U2, </i>y añadiendo a la mezcla una multitud de influencias de otas bandas, donde destacan <i>The Police</i> y <i>The Cure</i>. Para poder entender el sonido de <i>Soda Stereo</i>, es necesario hacer una cronología temporal al lado de U2, para terminar en la placa que es motivo de esta reseña, que es acaso la placa más “lograda” y la que define el sonido de Soda Stereo, <i>Canción Animal</i>. Entre 1980 y 1983 U2 da a luz tres placas, <i>Boy</i>, <i>October</i> y <i>War</i>, esta última contiene dos piezas que definirían el sonido de <i>U2</i> de los ochentas: <i>Sunday Bloody Sunday</i> y <i>New year´s day</i>. U2 forjó un sonido que se caracterizaba por alargar el sonido de la guitarra para asemejarlo a ondas rebotando en latas de metal, jugar con este sonido sobre una base de batería cuya función era la de acompañar y dar forma a una melodía pop y un estribillo pegajoso; la atención era dividida entre la orientación guiada por guitarra (como otras bandas guiadas por guitarra de los ochenta, pienso en <i>Smiths</i>) y la voz particular de Bono (que a algunos puede encantar y a otros parecer intolerable), que, por lo menos en estos primeros discos, se orientaba a la canción protesta (siendo la emblemática <i>Sunday Bloody Sunday</i>). Cerati, tan hábil como pobremente, ingiere el sonido de U2, se obsesiona, lo engulle, lo digiere y escupe U2 para Latinoamérica. Pero Cerati lanza su primera placa, <i>Soda Stereo</i>, en 1984, la dictadura militar en Argentina había acabado en 1983, ya no había de qué gritar, de qué quejarse, frente a qué mostrarse rebelde, mas Cerati quería emular a su progenitor (Bono y compañía, obviamente), así es que incluye piezas como “<i>Quiero ser del Jet-Set</i>”, o “<i>Sobredosis de TV</i>”, que son quejas adolescentes, benignas, rebeldías contra un enemigo abstracto, que no obstante, le sirvieron para sellar el pacto. Soda Stereo no nace después de la dictadura militar por coincidencia, Soda Stereo explota un sonido digerible para una masa de jóvenes dispuestos a consumir estribillos pop de lo que había sido percibido y vivido como una opresión. Soda Stereo es el resultado y el reflejo de una época y sociedad herida, que sólo quería divertirse pero en el intento sonar interesantes. Vale la pena mencionar que en Argentina la renuencia por hacer llegar una voz de protesta verdadera, ya sea a la dictadura o alguna causa puntual, siempre estuvo presente en sus artistas. En Argentina primó la sed de éxito comercial, reciclados de música anglosajona (<i>Charly García</i> hizo una carrera plagiando las melodías pop dirigidas a adolescentes de Los Beatles y otros, etc), por sobre una protesta verdadera. Teniendo esto en claro, podemos retornar a la labor que Cerati desarrolló en los ochenta, a partir del éxito (comercial, más no musical) de su primera placa, <i>Soda Stereo</i>, los U2 sacan el disco emblemático <i>The Unforgettable Fire</i>, y Cerati, sin querer quedarse atrás, se pone manos a la obra a la búsqueda de ese gran disco emblemático: <i>Nada Personal</i>, <i>Signos</i>, <i>Doble vida</i>. Todos estos discos (comercialmente, más no musicalmente) exitosos. Atiborra y explota las radios de sencillos pegajosos, para masas de adolescentes y jóvenes góticos, confundidos, incomprendidos, jóvenes <i>pop</i>: <i>Cuando pase el temblor </i>(plagio de la canción "<i>The bed´s too big without you</i>", de <i>The Police</i>)<i>, Persiana Americana, En la ciudad de la furia</i> (esta última líricamente reminiscente a “<i>Where the streets have no name</i>”, lanzada por U2 un año antes, una versión latinoamericana de la gran ciudad sin principio o fin, sin nombre, sin identidad, reflejada en el individuo sin principio o fin, sin nombre, sin identidad, etc.). Pero los U2 -para beneplácito de Cerati- sacarían en 1987 su segundo disco emblemático de los ochenta, <i>The Joshua Tree</i>, entonces Cerati, sintiéndose casi satisfecho por haber logrado en tres placas sacar suficientes sencillos como para igualar en algo al <i>Unforgettable Fire</i>, decide ponerse en la búsqueda del sonido de ese nuevo grial (<i>The Joshua Tree</i>, duh!). Los U2 incorporaron al sonido experimental logrado junto a <i>Brian Eno</i>, un sonido más fuerte, un poco más rudo, la respuesta de los Soda Stereo fue Canción Animal. Predominan las guitarras con “sonido filudo”, líricas “abstractas”, y la voz de Cerati impostada y grandilocuente (¿alguien dijo Bono?). La canción “<i>Té para tres</i>” plagia del sonido poco pulido de <i>Spinetta</i>. La canción “<i>Hombre al agua</i>” plagia la pista de bajo (aletargando el <i>tempo</i>) de <i>Livin´ on a prayer</i> (1986) de <i>Bon Jovi</i>. El éxito comercial “<i>De música ligera</i>” plagia el Riff y base de bajo de <i>Michelle </i>(1986) de la banda <i>Clan of Xymox</i>. El éxito comercial de De música ligera atravesaría casi una década, y volvería a las radios en 1997, en una versión en vivo que además de U2, absorbe un poco del sonido <i>Grunge</i> noventero. A este disco-plagio –Canción animal- los críticos latinoamericanos lo han llamado “uno de los discos más representativos, importantes y emblemáticos del Rock en español”, y luego se toman un Martini, se chupan el dedo y ponen la radio para escuchar el nuevo hit argentino. En este disco no hay nada que destacar, como no sea la confluencia de plagios. En serio.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">3.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Ejecución</b>: en Soda Stereo no hay músicos destacados, la voz de Cerati puede resultar “sensual” o “profunda”, o, si quieren, “profundamente sensual” para algunas jóvenes. A mí me suena argentina, es decir, mal hablada y cacofónica.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">3.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Originalidad</b>: ¿No ha quedado claro? entonces tenemos que alzar la vista en el tiempo un poco más allá del disco Canción Animal para terminar de pintar el cuadro de Soda Stereo. En 1991 –para beneplácito de Cerati- U2 sacaría el disco <i>Achtung Baby</i>, ¿cuál fue la respuesta de Cerati, quien tenía que hacer su tarea y ponerse al día? En 1992 saca el disco <i>Dynamo</i>, que (esto es realmente una sorpresa), imita la exploración electrónica del <i>Achtung Baby</i>, ¿extraño no? U2 saca Achtung Baby donde explora sonidos electrónicos, un año después Soda Stereo saca Dynamo que explora sonidos electrónicos…mmm. El 29 de Junio de 1995 Soda Stereo puso en rotación en la radio la canción “<i>Ella usó mi cabeza como un revolver</i>”, donde predomina el riff pesado de bajo y guitarra, y la batería como marcha fúnebre o marcha enérgica con un violín como acompañamiento perfecto a una canción oscura. U2 el 5 de Junio de 1995 había sacado el sencillo “<i><span>Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me</span></i>”, grabada en 1994, en esta canción predomina el riff pesado de bajo y guitarra, y la batería como marcha fúnebre o marcha enérgica con un violín como acompañamiento perfecto a una canción oscura. Esperen, esperen…<b><span style="font-size:9.0pt;mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height:115%;font-family: "Arial","sans-serif";color:black"> </span></b><i><span>Déjà vu</span></i>. En esa misma placa, <i>Sueño Stereo</i>, el sencillo "<i>Zoom</i>" es un plagio de la canción <i>New York Groove </i>(1975) de la banda <i>Hello</i>. Ese sería el último disco de los Soda Stereo, quienes se cansaron de plagiar.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">-1/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Líricas</b>: Cerati dijo en una oportunidad que él no estaba interesado en las líricas, sino en “jugar con sonidos”. Te creemos Cerati, te creemos. En “De música ligera” quizás logra sus mejores líricas en toda su carrera musical, sin proponérselo consiguió imágenes fuertes (“<i>Algún tiempo atrás pensé en escribirle/que nunca sorteé las trampas del amor…no le enviaré cenizas de rosas/ni pienso evitar su roce secreto</i>”). Pero una golondrina no hace la primavera.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">2.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Valoración personal</b>: De Cerati me gusta la canción “<i>Sudestada</i>” porque me evoca un bonito recuerdo, y no me disgusta del todo algunos de sus sencillos si regreso en taxi de madrugada y en la radio está sonando. </p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">4/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Puntaje general</b>: Esta banda, que casi podría ser llamada banda de <i>covers</i>, siguió llenando estadios mucho después de su disolución y sus muchas “despedidas”, como un <i>encore</i> gigantesco que resume su discografía y la falta de criterio del público latinoamericano. Gustavo Cerati se encuentra actualmente en coma. Espero que algún día pueda recuperarse por su bien, el de su familia y sus seguidores, pero también espero que no siga haciendo música. Resulta intolerable.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span style="font-size:26.0pt; line-height:115%">2.5/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Download</b>: <a href="http://www.mediafire.com/?zx05w45j2cz">http://www.mediafire.com<span lang="EN-US">/?zx05w45j2cz</span></a><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p>Alexandros Demoshttp://www.blogger.com/profile/05242339329175547869noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6177890593212118320.post-90514002127973688332011-08-09T09:52:00.000-07:002011-08-09T09:56:05.060-07:00Inmortal Technique - Revolutionary Vol. I (2001)<div>
<br /></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHaTb0ZqCAYRCtb3x7Pii0SmUiUUD18j0Tb9bv9tlW2Nz6Z6vnTRMTYWGi96mdmEhfRJ9mrG91Mf3K_CRsRsuZiQzqp1KgEg4BW4JrppIgbKUBq_yJsqJjXVrMEEBilbuAVKE39uo35HE/s1600/album-revolutionary-vol-1.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHaTb0ZqCAYRCtb3x7Pii0SmUiUUD18j0Tb9bv9tlW2Nz6Z6vnTRMTYWGi96mdmEhfRJ9mrG91Mf3K_CRsRsuZiQzqp1KgEg4BW4JrppIgbKUBq_yJsqJjXVrMEEBilbuAVKE39uo35HE/s400/album-revolutionary-vol-1.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5638900560599541298" /></a><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Composición</b>: Sobre una base de <i>loops</i> y <i>beats</i>, <i>Inmortal Technique</i> (el pseudónimo de Felipe Andrés Coronel, un peruano que migró a EEUU con su familia a los 2 años de edad, huyendo del inminente conflicto interno) utiliza la plataforma musical como una excusa para desenvolver sus explícitas y largas líricas; musicalmente completamente instalado en la tradición del <i>Hip-Hop</i> y <i>rap</i>, IT le debe, quizás más que a nadie, su sonido a los primeros discos de <i>Wu-Tang Clan</i> (<i>Enter the Wu-Tang (36 Chambers)(1993), Wu-Tang forever (1997)</i><span>), salpicando su alfombra de beats y sampleos con arreglos que recuerdan a campanas, cuerdas orientales y otros artilugios que buscan imitar un “sonido oriental” (<i>Dominant Species</i>) al mejor estilo de los Wu-tang (quienes estaban obsesionados con el <i>Kung fu</i>, una forma cuasi artística de sublimar su agresividad), para este efecto echa mano desde <i>campanas</i>, a violines en repetición (loops) y sampleos tocados a la inversa. ¿Suena oriental? Bueno, por momentos suena a lo que la imaginación occidental considera que es oriental, suena tan oriental como sonaría un chino rapero proxeneta molesto en el barrio chino de Nueva York, improvisando líricas contra la banda opositora que le ha robado a sus “<i>bitches</i>”. A esta base salpíquenle notas en piano repetidas, y alguna reminiscencia de <i>flow</i> latino (<i>No me importa W Cuts Dj Blank Panther</i>): el sonido de IT. En otros momentos del disco su sonido recuerda más al <i>hip-hop-pop</i> de <i>Eminem</i> (<i>Positive Balance Feat Big Zoo</i>), en muchas progresiones recuerda más a <i>Rob Dougan</i>, quien sin embargo tiene una mejor intuición para la composición. En <i>Dance with the Devil</i>, el corte más logrado del disco (y un semi-himno del hip-hop <i>underground</i>), interpola sampleos de piano clásico. IT, como la gran mayoría de raperos, funciona cuando encuentra un loop hipnotizante, las más de las veces bastante <i>radio-friendly</i>, algo frente a lo cual, sin embargo, IT cree revelarse; quiere bombardear el “negocio sucio de las compañías musicales” (y con ello embargar su sonido de fácil digestión), pero se muere de ganas de ser escuchado por todos y cada uno de los negros y latinos del <i>hood</i>. Quiere ser admirado por exactamente lo mismo que están haciendo los demás raperos, pero aduciendo libertad por no contar con un contrato, por lo cual exige mayor respeto; habría que respetarlo cuando componga algo interesante.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span>4/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Ejecución</b>: ¿Realmente qué tan difícil puede ser crear y recrear este sonido en una laptop y la ayuda de un <i>dj</i> medianamente decente? Por otra parte, IT es uno de los pocos raperos que puede entregar líricas rapeadas con tanta ferocidad, al mejor estilo de los mejores momentos de los Wu-Tang (algo que no han logrado desde 1997).</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">5.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Originalidad</b>: en esta placa hay tanta originalidad como en los comerciales por televisión sobre instrumentos para trabajar el abdomen.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">2.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Líricas</b>: Las intención verdadera de IT, los beats no son sino una excusa para dar a conocer su visión revolucionaria (<i>Revolutionary Vol. I</i>, duh), anti capitalista, y mandarse con el rollo moralista de todo rapero del <i>gueto</i> (“Yo fui malo, pero aprendí y ahora soy bueno (o lo intento), no bailes con el diablo porque terminarás perdiendo, toma mi palabra, tiene valor porque mi madre fumaba crack, mi novia era prostituta, y he estado en balaceras, soy un malo arrepentido y tienes que creerme porque lo he vivido, blablabla”). IT es explícito, directo, y crudo, con un lenguaje que puede ser entendido por todos, no se muerde la lengua sobre ningún tema que quiera tocar. El mérito está en decir lo que quiere, aunque ciertamente la más de las veces hable cosas de plano ridículas, quiere sorprender siempre con información sacado de la manga en teorías de conspiración, dando a entender que es alguien leído, y que por eso ahora “puede ver la verdad” (dando datos sobre la crueldad norteamericana y su ambición capitalista), IT podría estar absolutamente en lo correcto (o podría, más probablemente, no estarlo), pero en su auto-admiración (donde, recordemos, quiere pintarse como alguien leído y con experiencia callejera, una mezcla de pandillero feroz con intelectual con estilo) se le va la mano y termina insultando a la misma gente que quiere “proteger”. Algunas letras de IT son más que líricas de rap, verdaderos manifiestos (torpes) largos. Por su preocupación con el contenido lírico cumplo con poner el manifiesto completo de uno de sus cortes, <i>The poverty of Philosophy</i>:</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span lang="EN-US">“<i>Most of my Latino and black people who are struggling to get food, clothes and shelter in the hood are so concerned with that, that philosophising about freedom and socialist democracy is usually unfortunately beyond their rationale. They don't realize that America can't exist without separating them from their identity, because if we had some sense of who we really are, there's no way in hell we'd allow this country to push it's genocidal consensus on our homelands. This ignorance exists, but it can be destroyed.<o:p></o:p></i></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><i><span lang="EN-US">Niggas talk about change and working within the system to achieve that. The problem with always being a conformist is that when you try to change the system from within, it's not you who changes the system; it's the system that will eventually change you. There is usually nothing wrong with compromise in a situation, but compromising yourself in a situation is another story completely, and I have seen this happen long enough in the few years that I've been alive to know that it's a serious problem. Latino America is a huge colony of countries whose presidents are cowards in the face of economic imperialism. You see, third world countries are rich places, abundant in resources, and many of these countries have the capacity to feed their starving people and the children we always see digging for food in trash on commercials. But plutocracies, in other words a government run by the rich such as this one and traditionally oppressive European states, force the third world into buying overpriced, unnecessary goods while exporting huge portions of their natural resources.<o:p></o:p></span></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><i><span lang="EN-US">I'm quite sure that people will look upon my attitude and sentiments and look for hypocrisy and hatred in my words. My revolution is born out of love for my people, not hatred for others.<o:p></o:p></span></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><i><span lang="EN-US">You see, most of Latinos are here because of the great inflation that was caused by American companies in Latin America. Aside from that, many are seeking a life away from the puppet democracies that were funded by the United States; places like El Salvador, Guatemala, Peru, Colombia, Nicaragua, Ecuador and Republica Dominicana, and not just Spanish-speaking countries either, but Haiti and Jamaica as well.<o:p></o:p></span></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><i><span lang="EN-US">As different as we have been taught to look at each other by colonial society, we are in the same struggle and until we realize that, we'll be fighting for scraps from the table of a system that has kept us subservient instead of being self-determined. And that's why we have no control over when the embargo will stop in Cuba, or when the bombs will stop dropping in Vieques.<o:p></o:p></span></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><i><span lang="EN-US">But you see, here in America the attitude that is fed to us is that outside of America there live lesser people. "Fuck them, let them fend for themselves." No, Fuck you, they are you. No matter how much you want to dye your hair blonde and put fake eyes in, or follow an anorexic standard of beauty, or no matter how many diamonds you buy from people who exploit your own brutally to get them, no matter what kind of car you drive or what kind of fancy clothes you put on, you will never be them. They're always gonna look at you as nothing but a little monkey. I'd rather be proud of what I am, rather than desperately trying to be something I'm really not, just to fit in. And whether we want to accept it or not, that's what this culture or lack of culture is feeding us.<o:p></o:p></span></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><i><span lang="EN-US">I want a better life for my family and for my children, but it doesn't have to be at the expense of millions of lives in my homeland. We're given the idea that if we didn't have these people to exploit then America wouldn't be rich enough to let us have these little petty material things in our lives and basic standards of living. No, that's wrong. It's the business giants and the government officials who make all the real money. We have whatever they kick down to us. My enemy is not the average white man, it's not the kid down the block or the kids I see on the street; my enemy is the white man I don't see: the people in the white house, the corporate monopoly owners, fake liberal politicians those are my enemies. The generals of the armies that are mostly conservatives those are the real Mother-Fuckers that I need to bring it to, not the poor, broke country-ass soldier that's too stupid to know shit about the way things are set up.<o:p></o:p></span></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><i><span lang="EN-US">In fact, I have more in common with most working and middle-class white people than I do with most rich black and Latino people. As much as racism bleeds America, we need to understand that classism is the real issue. Many of us are in the same boat and it's sinking, while these bougie Mother-Fuckers ride on a luxury liner, and as long as we keep fighting over kicking people out of the little boat we're all in, we're gonna miss an opportunity to gain a better standard of living as a whole.<o:p></o:p></span></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><i><span lang="EN-US">In other words, I don't want to escape the plantation I want to come back, free all my people, hang the Mother-Fucker that kept me there and burn the house to the god damn ground. I want to take over the encomienda and give it back to the people who work the land.<o:p></o:p></span></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><i><span lang="EN-US">You cannot change the past but you can make the future, and anyone who tells you different is a Fucking lethargic devil. I don't look at a few token Latinos and black people in the public eye as some type of achievement for my people as a whole. Most of those successful individuals are sell-outs and house Negros.<o:p></o:p></span></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><i><span lang="EN-US">But, I don't consider brothers a sell-out if they move out of the ghetto. Poverty has nothing to do with our people. It's not in our culture to be poor. That's only been the last 500 years of our history; look at the last 2000 years of our existence and what we brought to the world in terms of science, mathematics, agriculture and forms of government. You know the idea of a confederation of provinces where one federal government controls the states? The Europeans who came to this country stole that idea from the Iroquois LEAGUE. The idea of impeaching a ruler comes from an Aztec tradition. That's why Montezuma was stoned to death by his own people 'cause he represented the agenda of white Spaniards once he was captured, not the Aztec people who would become Mexicans.<o:p></o:p></span></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><i><span lang="EN-US">So in conclusion, I'm not gonna vote for anybody just 'cause they black or Latino they have to truly represent the community and represent what's good for all of us proletariat.<o:p></o:p></span></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><i>Porque sino entonces te mando por el carajo cabron gusano hijo de puta, seramos libre pronto, viva la revolucion, VIVA LA REVOLUCION!</i>”.<i><o:p></o:p></i></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Valoración personal</b>: IT es uno de los raperos más directos y agresivos en su estilo, algunos loops llegan a generar una repetición y gusto por el sonido. Pese a todas las debilidades señaladas, IT puede resultar una buena opción para un día que quiero oír Hip-Hop, me gusta más de lo que vale.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">7/10</p> <p class="MsoNormal"><b>Puntaje general</b>: <span class="Apple-style-span" style="font-size: 35px; line-height: 40px; ">4.8/10</span></p><p class="MsoNormal"><span style="font-size:26.0pt;line-height:115%"><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal">Download: <a href="http://www.mediafire.com/?km0yzn2gzyi">http://www.mediafire<span lang="EN-US">.com/?km0yzn2gzyi</span></a><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p>Alexandros Demoshttp://www.blogger.com/profile/05242339329175547869noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6177890593212118320.post-22632861627764753052011-08-07T12:30:00.000-07:002011-08-07T14:09:00.648-07:00Agalloch- The Mantle (2002)<div><br /></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiBkXFq1LPicDxEFwN61x3Dn7JXMVtVmS7cx8LIfwAeYUof52N0J4P1mlyGXJ0oG-y4m5iZgKUjh07J6DNfb1n3MxsoWdEgoQu0qMl6lnoKXmTvcSfBmQ19Aiay2g9FDfGdJQDnZGw4mw/s1600/the+mantle.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiBkXFq1LPicDxEFwN61x3Dn7JXMVtVmS7cx8LIfwAeYUof52N0J4P1mlyGXJ0oG-y4m5iZgKUjh07J6DNfb1n3MxsoWdEgoQu0qMl6lnoKXmTvcSfBmQ19Aiay2g9FDfGdJQDnZGw4mw/s400/the+mantle.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5638199277834263810" /></a><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Composición</b>: <i>Agalloch</i> divide en esta placa su sonido, entre un metal fuerte caracterizado por <i>riffs</i> pesados y la voz impostada de <i><span>John Haughm</span></i> (voz, guitarra, batería) con el típico tono de los actos de metal fuerte, y un sonido melódico que bien pueden ser tildadas de piezas atmosféricas. Esto lo condimentan con guitarras acústicas a través de todo el álbum, arreglos grandilocuentes de orquestación, campanas u otros detalles esparcidos a través de las piezas de mediana duración. Ejemplifica y resume el sonido del álbum (pero no lo gasta) “<i>…and the great cold of the earth</i>”.<span> </span>La habilidad de la banda para crear estructuras progresivas complejas se aprecia en “<i>In the shadow of our pale companion</i>”. Logran una mezcla de un sonido fuerte y un tono melódico que fluye y puede apreciarse tanto por <i>metalheads</i> como por oyentes acostumbrados a piezas melódicas. Lo conseguido en esta placa es muy logrado, y con la excepción de “<i>The Hawthorne passage</i>” que pudieron reducir a una pieza más solida (e impecable) de 8 minutos, probablemente el disco entero no tenga puntos realmente débiles. La estructura del álbum es también sólida, sostenida sobre 4 piezas instrumentales (<a name="1"><i>A Celebration For The Death Of Man...</i></a> (1), <i>Odal</i> (3), <i>The lodge</i> (5) y <i>The Hawthorne passage</i> (7) (esta última contiene sampleos de voz)). Como se observa se ha prestado atención hasta al detalle de la posición de las piezas dentro del disco, dejando el cuerpo musical en los 4 primeros números impares (para quienes gustan de abusar de las matemáticas en la música), y sobre esta base musical se yerguen las piezas destacadas (<i>In the shadow of our pale companion, I am the wooden doors, …and the great cold of the earth</i>).</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">8.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Ejecución</b>: Como suele ocurrir en los actos de música Metal importantes, los músicos destacan en cada uno de sus instrumentos, poniendo énfasis en la ejecución con un esfuerzo impresionante; destaca la sencilla belleza de las cuerdas acústicas que son finalmente las que llevan al sonido particular que consigue Agalloch.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">8.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Originalidad</b>: Esta placa de Agalloch probablemente le deba más su sonido a grupos de <i>post Rock</i> como <i><span>Godspeed You! Black Emperor</span></i><span>, que a la gran tradición y subgéneros de música metal. Básicamente envuelven o remojan el metal que practican en piezas largas atmosféricas, y lo fusionan con el talento destacable de los integrantes.</span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">7.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Líricas</b>: El disco entero está inspirado en visiones y emociones Nietzscheanas, y de hecho parecen dialogar con sus escritos e incluso corregirlo: “<i>Here at the edge of this world/Here I gaze at a pantheon of oak, a citadel of Stone/If this grand panorama before me is what you call God. . ./Then God is not dead</i>” (<i>In the shadow of our pale companion</i>), quieren hacerle ver a ese semi-Dios poeta, Nietzsche, que ellos abren y cierran los portones de madera no para conquistar el poder, el mundo de acá, sino para llegar al mundo de allá con la voluntad y el espíritu intactos: “<i>I wish to die with my will and spirit intact/The will that inspired me to write these words/Seek not the fallen to unlock these wooden doors</i>” (<i>I am the wooden doors</i>). Pero inevitablemente la muerte, que es la otra cara de la moneda de la vida, gana por sobre la voluntad y el amor, el mundo, finalmente, sigue siendo un éter, un espacio desconocido que flota sobre una gran nada a donde nos dirigimos, así las últimas líneas del disco resumen la pintura: “<i>Lost in the desolation of life/The path that we walk...</i>” (<i>Desolation song</i>). Un esfuerzo formidable por parte de los Agalloch que sin embargo a veces cojea de pomposidad y pretensión.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">7.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Valoración personal</b>: Un gran disco, al cual, personalmente, le hubiera quitado la voz impostada de “metal fuerte” y hubiera aumentado los riffs pesados para darle el espíritu grave que buscaban con la voz. El “truco” de usar la voz como un instrumento musical que asemeja un alma poseída en el metal, lejos de sonar convincente o generar las emociones que busca (angustia, miedo, tensión, entre otros), no genera sino displacer (sin ser esto último algo buscado particularmente en esta placa). </p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">7.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Puntaje general</b>: <span style="font-size:26.0pt;line-height:115%">7.9/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span lang="EN-US">Download:</span><span lang="EN-US" style="font-size:26.0pt;line-height:115%;mso-ansi-language:EN-US"> </span><a href="http://www.mediafire.com/?tjqzwmxxqqq"><span lang="EN-US">http://www.mediafire.com/?tjqzwmxxqqq</span></a><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p>Alexandros Demoshttp://www.blogger.com/profile/05242339329175547869noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6177890593212118320.post-75212280350396471642011-08-07T12:24:00.000-07:002011-08-09T10:22:12.080-07:00Phideaux – Snowtorch (2011)<div>
<br /></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDkUurG9Oxecv1VSPlhQGmzAgn2oDYCGr_BQOVnctxkmoRVryg4V3QAC8MyOXiY8QJlOJW0eo2BpsI8ru-0XCGYQbTjIHuFddn4I81uIasgHQV1fD3OmYcUZV5Qza3DlmF1e79pJ-jZFY/s1600/Cover.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDkUurG9Oxecv1VSPlhQGmzAgn2oDYCGr_BQOVnctxkmoRVryg4V3QAC8MyOXiY8QJlOJW0eo2BpsI8ru-0XCGYQbTjIHuFddn4I81uIasgHQV1fD3OmYcUZV5Qza3DlmF1e79pJ-jZFY/s400/Cover.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5638197576547200578" /></a><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Composición</b>: <i>Phideaux</i> continúa con la exploración de sonidos ricos iniciados en <i>Doomsday Afternoon </i>(2007). La pieza central y maestra, y quizás una pieza universal del rock progresivo sinfónico, espacial y psicodélico es la que le da nombre al título (<i>Snowtorch pt. I</i>), esta sola pieza va a ser escuchada, digerida, entendida, estudiada en décadas por venir por cualquier músico con aspiraciones en el rock progresivo. La pieza se divide en cuatro movimientos claramente definidos (“<i>Star of Light</i>", "<i>Retrograde</i>", "<i>Fox on the Rocks</i>", "<i>Celestine</i>”) que se desenvuelven una tras la otra de forma natural y hermosa. La voz de Phideaux entra en diálogo con la de <i>Ariel Farber</i> (Violin, voz) sobre una base musical magistral que presta atención al mínimo detalle, con arreglos tan destacados que, en contraste, ponen en evidencia todo lo que está mal en la música popular y su mega producción. Continua la pieza con un diálogo (más una discusión alturada) entre la guitarra y el teclado, hasta que se “entromete” el saxofón para poner fin a la discusión, finalmente en un último movimiento durante el último minuto el órgano y la guitarra vuelven a conversar para dejarse dicho que aun tienen cosas que conversar más adelante. <i>Snowtorch pt. I </i>es algo cercano a lo que la musicalización de un orgasmo prolongado puede llegar a sonar<i>.</i> El disco continúa con <i>Helix</i>, una melódica y destacada canción corta bellamente vocalizada por Ariel Farber. El lado débil empieza en la segunda mitad del disco. Si bien la exploración de sonidos y la creación de diálogos entre los instrumentos continua, parece que las composiciones de Phideaux se hubieran quedado sin ideas, y <i>Snowtorch pt. II</i> parece más bien un <i>reprise</i> de la pt I. Consta de 3 movimientos (“<i>Blowtorch Snowjob</i>", "<i>Fox Rock 2</i>", "<i>Coronal Mass Ejection</i>”), que inician con guitarra acústica para adentrarse en un sonido más denso que la primera mitad del disco, donde la guitarra y el órgano discuten ahora con mayor intensidad y se le da mayor cabida al sonido de la batería. Farber cumple en entregar las primeras vocales con la misma melodía del segundo movimiento de la primera parte de Snowtorch, para continuar luego explorando otros sonidos. El diálogo vocal ahora es dado entre Farber y un coro; Phideaux retorna a escena para entregar un canto bucólico sobre una guitarra que asemeja más bien a un llanto melancólico que es una sombra de lo que la primera parte de esta pieza representa. En el movimiento final el diálogo entre Farber y el coro se intensifica y termina por ser la parte más destacada de la segunda mitad del disco. La placa tiene un cierre con “<i>.</i>”, un himno optimista y minimalista necesario después de tanta intensidad. Cabe aclarar que el hecho que la segunda mitad sea débil en relación a la primera no significa que sea mala, es débil en comparación a una obra maestra, por otra parte la brevedad del disco, que básicamente es una pieza musical larga con un intermedio (<i>Helix</i>), me hace pensar que Phideaux se adelantó en sacar un disco entero, cuando pudo esperar, pulir y añadirle una pieza musical más para concretar el trato y convertir esto en la pieza maestra de todos los tiempos que pudo llegar a ser. <i>Snowtorch pt. I</i> merece 9.5 en composición, pero el disco total no. </p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">8.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Ejecución</b>: Todos y cada uno de los músicos que participan en esta placa, empezando por Xavier Phideaux (compositor principal, vocales, guitarra, piano), son destacados en sus áreas, y logran, además, una armonía entre ellos pocas veces oída. Esto es aun más destacable teniendo en cuenta que estos son músicos amigos, que iniciaron el proyecto gracias a su amistad, y no son músicos reclutados por su versificación en los instrumentos. </p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">8.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Originalidad</b>: Phideaux se yergue en la tradición del rock progresivo sinfónico (<i>Yes</i>, <i>Genesis</i>) y las piezas atmosféricas psicodélicas de <i>Pink Floyd</i> y <i>Camel</i>, con toques de folk progresivo consiguiendo una mezcla personalizada de esta receta. En muchos casos supera a Pink Floyd, y en todos los casos es superior a Genesis.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">8.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Líricas</b>: Snowtorch es un disco concepto que trabaja sobre el diálogo que sostienen un meteorito con un planeta que va a ser destruido (podría ser el nuestro). Esta es una interpretación personal y bien pueden hallarse diversas interpretaciones para las líricas surrealistas contenidas; en cualquier caso las líricas están bien construidas en lo que se asemeja a un poema épico que esconde su significado con imágenes interesantes. <span lang="EN-US">Al final la destrucción es no requerida y violenta (<i>I need you to know you will die /And not very nicely — surprise! /I know what you need /I promise you, when we get through /You might not believe but I tried /Your head will scream: divide with me /Emerge like a new butterfly</i> (Snowtorch pt. I)), pero necesaria y sabia (<i>Every god is a letdown /All heroes are false /So there ends the lesson /It’s a hell of a course </i>(Helix)).<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">8/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Valoración personal</b>: Phideaux es uno de los artistas de música progresivas favoritos míos, destaca de sobremanera en este disco la composición, pero lo que frena un poco el total logro de la placa es la voz del propio Phideaux que puede resultar afectiva pero no necesariamente en un sentido positivo. De cualquier manera un disco imprescindible. </p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">8.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Puntaje general</b>: <span style="font-size: 26pt; line-height: 115%; ">8.4/10<b><o:p></o:p></b></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Download: </b><a href="http://www.mediafire.com/?rru2brx4ybc3r2a">http://www.mediafire.com/?rru2brx4ybc3r2a</a><b><span style="font-size:26.0pt;line-height: 115%"><o:p></o:p></span></b></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><o:p> </o:p></p>Alexandros Demoshttp://www.blogger.com/profile/05242339329175547869noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6177890593212118320.post-58311194245089618882011-08-05T06:25:00.000-07:002011-08-05T09:50:47.889-07:00Amy Winehouse – Back to Black (2006)<div><br /></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGj0qzaJDqnzGQT8Suu_1_tIIimDYS82OIzRlEnJdoKodJdydXIH1pwXOOuhKJFI3TYatjg_7UaKty5roe8fijmlPT9VfrQ-EAO2ySs5ns3bG_ucMDsAwtY0RJyHWpwkQTNeIOrOtfxaE/s1600/Front.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 397px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGj0qzaJDqnzGQT8Suu_1_tIIimDYS82OIzRlEnJdoKodJdydXIH1pwXOOuhKJFI3TYatjg_7UaKty5roe8fijmlPT9VfrQ-EAO2ySs5ns3bG_ucMDsAwtY0RJyHWpwkQTNeIOrOtfxaE/s400/Front.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5637362836968298146" /></a><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b><span lang="EN-US">Composición</span></b><span lang="EN-US">: <i>Amy winehouse</i> entrega enérgicas y pegajosas melodías de <i>rhythm and blues</i> (Rehab, You know im no good, he can only hold her) muy bien orquestadas. </span>Sobresalen y le dan cuerpo a estas canciones los instrumentos de viento (trompetas, saxofones, trombones), guiadas por un <i>beat</i> de percusión más cercano al <i>hip-hop</i> que al <i>blues</i> o <i>soul</i>. Por otra parte Winehouse falla estrepitosamente cuando hace su propia versión de <i><span>Ain't No Mountain High Enough</span></i><span> (tears dry on their own), su voz no puede imitar la fuerza que transmite <i>Tammi Terrell</i>, quien incluso opaca a <i>Marvin Gaye</i> en la versión original. El timbre de voz exasperante de Winehouse hace un poco incómoda la interpolación con las voces originales.<span> </span></span>Falla también cuando intenta hacer una canción de cabaret (<i>me and mr jones</i>) o un ska bluseado (<i>just friends</i>) o ensaya una balada al estilo <i>Platters</i> (Wake up alone, Love is a losing game), pero sin la capacidad melódica. Una gran producción que resalta la voz potente de Winehouse y los instrumentos de viento que dan verdadero cuerpo a la música por sobre la base de piano.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">6/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Ejecución</b>: los músicos profesionales cumplen de forma correcta su labor. Sobresalen los músicos de viento: Andy Mackintosh, Chris Davis, Vincent Henry, Neal Sugarman, Jamie Talbot, Mike Smith, Vincent Henry, Bruce Purse, Steve Sidwell, entre otros, y los coros (Perry Montague-Mason, líder de coro). Winehouse cumple con entregar una voz potente pero sin atreverse en ningún momento a explotarla, no se arriesga en ninguna nota alta. </p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">6/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Originalidad</b>: Winehouse le debe toda su música a la tradición de <span> </span><i>rhythm and blues </i>y más tarde al<i> Hip-hop, </i>es decir la música de Winehouse está totalmente inscrita en lo que tradicionalmente se entiende por música negra de mitad del siglo XX así como contemporánea. No es la primera vez (ni será la última vez) que un blanco intenta apropiarse de un sonido propiamente negro, no lo logra a cabalidad pero los críticos alrededor del mundo lo loan (quizás porque son blancos y ellos también quieren sentir algo de ritmo por sus venas).<span> </span>Sus mayores influencias son <i>Dinah Washington</i>, el <i>Motown</i> de <i>Sam Cooke</i> y quizás en menor medida <i>Ella Fitzgerald</i>, pero sin la capacidad vocal de esta última, ni con el fondo jazzeado. Winehouse no aporta virtualmente nada a la música, pero hace una entrega bastante decente, pese a que su timbre de voz termina por ser cansador y exasperante.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">4/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Líricas</b>: Winehouse no hubiera tenido el éxito comercial que tuvo sin las líricas directas que escribió. <span lang="EN-US">Le canta al amor de forma amarga, despreocupada y sincera (“<i>For you i was a flame/love is a losing game</i>” (Love is a losing game)), o incluso logra una letra<span> </span>“existencialista” respecto al amor en “<i>Tears dry on their own</i>” con pasajes directos y fuertes: “<i>Even if I stop wanting you,/A Perspective pushes thru,/I'll be some next man's other woman soon,/I shouldn't play myself again,/I should just be my own best friend,/Not fuck myself in the head with stupid men,/He walks away,/The sun goes down,/He takes the day but I'm grown,/And it's OK,/In this blue shade,/My tears dry on their own,/So we are history,/your shadow covers me/The sky above,/A blaze only that lovers see…</i>” </span>De hecho la letra de esta canción es la que la impregna de cierta fuerza, pues de otra forma no sería sino un tributo muy pobre<i><span>. </span></i><span>Probablemente Winehouse llevó a su productor esta letra, y el productor, acertadamente, la ajustó para componerla como tributo de <i>Ain't No Mountain High Enough </i>de forma que tuviera una música a la altura de las líricas. Winehouse se salió con las suyas en <i>Rehab</i>.<i> <o:p></o:p></i></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span>7/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Valoración personal</b><span>: Me incomoda de sobremanera la voz de Amy winehouse, la cual en todo momento parece que buscaba grabar en estado etílico, o por lo menos aparentarlo. Sus composiciones no son grandiosas ni mucho menos y de hecho sobresalen sus <i>covers</i>.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span>4/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Puntaje general</b><span>: Amy Winehouse murió de complicaciones con sustancias en 2011. Lega una voz aguardentosa que de seguro servirá de inspiración a adolescentes con aspiraciones musicales que quieran pintarse de forma liberal.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span lang="EN-US" style="font-size:26.0pt;line-height:115%;mso-ansi-language:EN-US;mso-bidi-font-weight: bold">5.4/10<span></span><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span lang="EN-US">Download: </span><a href="http://www.mediafire.com/?go315ouppv0lfd4"><span lang="EN-US">http://www.mediafire.com/?go315ouppv0lfd4</span></a></p>Alexandros Demoshttp://www.blogger.com/profile/05242339329175547869noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6177890593212118320.post-26202208551844982102011-08-05T06:10:00.000-07:002011-08-05T09:49:03.824-07:00The United states of America - The United States of America (1968) (reedición del 2004, contiene 10 canciones más que la placa original)<div><br /></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaqAajgQsL3TpbTCn2N95no-y0sUYJsylERQKhuHhvkAsIZAA4s-wxrs5ViiILa026ouTWBUpjXzIj6TEpLDPHCTpBzfM1YAEnzPUy8y0pSRNmx60HZ0i9eUzgGfgFdNeDwNwYzA2_O-c/s1600/The+United+States+of+America.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 394px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaqAajgQsL3TpbTCn2N95no-y0sUYJsylERQKhuHhvkAsIZAA4s-wxrs5ViiILa026ouTWBUpjXzIj6TEpLDPHCTpBzfM1YAEnzPUy8y0pSRNmx60HZ0i9eUzgGfgFdNeDwNwYzA2_O-c/s400/The+United+States+of+America.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5637359418727272770" /></a><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span><b>Composición</b>: The united states of America (USA) explora sonidos en esta placa, y logra crear uno de los discos más importantes de rock psicodélico/avant-garde de la década de los sesenta, además de ser uno de los primeros. Inspirados indiscutiblemente en el primer sonido de rock psicodélico/espacial de <i>Pink Floyd</i>, (</span><i><span style="mso-ascii-font-family:Calibri;mso-hansi-font-family: Calibri;mso-bidi-font-family:Arial;color:black;background:white;mso-bidi-font-weight: bold">The Piper at the Gates of Dawn</span></i><b><i><span style="font-size: 9.0pt;line-height:115%;mso-ascii-font-family:Calibri;mso-hansi-font-family: Calibri;mso-bidi-font-family:Arial;color:black;background:white"> </span></i></b><span class="apple-converted-space"><span style="font-size:9.0pt;line-height:115%; mso-ascii-font-family:Calibri;mso-hansi-font-family:Calibri;mso-bidi-font-family: Arial;color:black;background:white">, </span></span><span class="apple-converted-space"><span style="mso-ascii-font-family:Calibri; mso-hansi-font-family:Calibri;mso-bidi-font-family:Arial;color:black; background:white">1967)</span></span><span> Los USA sacrifican sin embargo guitarras (no hay una sola en todo el disco) y favorecen instrumentos poco comunes para el rock de esa época (violín eléctrico) para crear un disco que entrega un sonido entre rock experimental, música ambiental y (aparente) música electrónica, ya que este es un disco de rock experimental con arreglos de “sonidos electrónicos”, y no hay en realidad en todo el disco algo que podríamos llamar una composición electrónica, en cualquier caso podríamos llamarlo “rock espacial”. Lo que entrega este disco es una experiencia de unidad en el sentido que no hay realmente composiciones débiles, pero si puntos fuertes, además el balance entre experimentación y melodía se mantiene constante a través del disco. Entre los puntos fuertes está la balada ambiental <i>cloud song</i> (que parece una pieza musical de un bosque encantado, además cabe resaltar que esta canción tiene un sonido similar a “<i>Rabo de nube</i>” del trovador <i>Silvio Rodriguez</i>, teniendo en cuenta la alineación política de los USA no es descabellado pensar que Silvio se haya inspirado en esta pieza), la pieza progresiva <i>The american way of love (I-III)</i> (que suena a un magnífico <i>Soundtrack</i> de una película de terror ambientada en un circo), las dos canciones más “rockeras” de la placa (de un sonido similar a algunas canciones del <i>Surrealistic Pillow</i> de <i>Jefferson Airplane</i>) <i>Hard coming love</i> y <i>The garden of earthly delights</i>, y la composición probablemente más lograda del disco <i>Where is yesterday</i>, que empieza con armonías vocales sobre un fondo de sonidos espaciales, y termina en un festín de bajo y batería con melodía muy típica del rock hippie de los sesenta. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span>9/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span><b>Ejecución</b>: Destaca el violín, y los instrumentos de percusión, incluido el piano y los otros instrumentos de teclados, de hecho es esta una de las cosas en la que sobresale en esta placa, y es que es uno de los primeros discos en usar toda una diferente gama de teclados y no solamente órgano. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span>8/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span><b>Originalidad</b>: Inspirados en el sonido del primer <i>Pink Floyd</i>, el sonido fuerte y uso de órgano de <i>The Doors</i>, y en algunos aspectos experimentales de <i>The Velvet Underground</i>, los USA logran sin embargo crear un sonido único y muy particular.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span>8.5/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span><b>Líricas</b>: Los USA buscan en este disco hacer una crítica social de Estados Unidos, algo que no era extraño para la época, pero a diferencia del folk de crítica social (<i>Bob Dylan</i>, etc) los USA parecen no desear que nada se “componga”, no quieren señalar que algo anda mal y debe ser mejorado (acabar la guerra de Vietnam, mayores libertades, etc), sino que parecen querer decir “que se joda todo esto”, algo que iba de la mano con la alineación política de su líder, <i>Joseph Byrd</i>, quien pertenecía al partido comunista. </span><span lang="EN-US">Este sentimiento es idealizado en la balada romántica <i>Love song for the dead Che</i> (<i>And in the stillness of the Oriente rainfall/I remember the warmth of you, still in my arms,/Late, late in the year./I will bring to you flowers in the night/Soft as trembling fingers touch you--love,/I can offer you wine and candlelight/Late in the year</i>.).<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span>7.5/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span><b>Valoración personal</b>: Los USA logran una mezcla ideal y muy personal entre experimentación y rock melódico, algunas de estas canciones suenan tan bien hoy en día (o mejor) de lo que sonaron más de 40 años atrás. De hecho suenan mejor que el primer disco de Pink Floyd, el cual a quedado, a mi gusto, contextualizado a su época y es más una referencia que una experiencia musical placentera hoy por hoy. Es una lástima que los USA no siguieran con la agrupación, Joseph Byrd sacaría un año después <i>The American Metaphysical Circus </i><span>(1969).</span><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span>8.5/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span><b>Puntaje general</b>: </span><span style="font-size:26.0pt;line-height:115%;mso-ascii-font-family:Calibri; mso-hansi-font-family:Calibri">8.3/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span lang="EN-US">Download: </span><a href="http://www.mediafire.com/?mz0tyhggjag"><span lang="EN-US">http://www.mediafire.com/?mz0tyhggjag</span></a><span lang="EN-US" style="font-size:26.0pt;line-height:115%;mso-ascii-font-family:Calibri; mso-hansi-font-family:Calibri;mso-ansi-language:EN-US"><o:p></o:p></span></p>Alexandros Demoshttp://www.blogger.com/profile/05242339329175547869noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6177890593212118320.post-33888813530059363172011-08-05T05:51:00.000-07:002011-08-05T09:52:20.206-07:00Angel´in heavy syrup - III (1995)<div><br /></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVGDlu6zKXjS5QTU3bPzSitMhWbIo82HWBFJkNhTBJVl7RxEsZi4MkWO03WM85S9MaiP3L3LESGXDwZXVXUu26rQnJsH9U1HIRuep1p4BeZHAyLH7jqVBS0o0mGUjm9cmO9sXxaI1olLY/s1600/angel230.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 280px; height: 280px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVGDlu6zKXjS5QTU3bPzSitMhWbIo82HWBFJkNhTBJVl7RxEsZi4MkWO03WM85S9MaiP3L3LESGXDwZXVXUu26rQnJsH9U1HIRuep1p4BeZHAyLH7jqVBS0o0mGUjm9cmO9sXxaI1olLY/s400/angel230.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5637354363987964658" /></a><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Composición</b>: <i>Angel in heavy syrup</i> fue un trío de mujeres japonesas, lideradas por <i>Mineko Itakura</i> (bajo y voz), que lanzaron cuatro discos durante los 90 y cuyo status bien podría ser llamado de culto. De estos discos quizás el más logrado es el tercero (III), que empieza con una pieza corta (Boku Dake-ga) que le debe su sonido tanto al rock psicodélico de finales de los 60´y los 70´como al <i>dream pop</i> que se había gestado en los ochenta (cuyo mejor representante quizás es <i>Cocteau Twins</i>). La segunda pieza, (breath of life), más pausada, alarga los sonidos etéreos y “trippy” para acercarse más a un sonido al estilo de las piezas ambientales de <i>Pink Floyd</i> o <i>Camel</i>, pero algo hace del sonido de AHS algo más inmediato, más crudo, y es que a diferencia de Floyd o Camel ellas logran sus sonidos con guitarras bajo y batería, sin echar mano de sintetizadores o juegos de producción, lo cual embellece la música con un sonido casi folk-psicodélico; <i>III</i> es el cruce entre el rock espacial y el (<i>hard</i>) folk-psicodélico. <i>Thirsty land</i> juguetea con un bajo jazzeado. <i>Water mind</i> (musical) es, junto a Breath of life, la pieza más lograda del disco, una introducción con flauta abre paso a un solo de guitarra, luego marcan el paso con un punteo para abrir un coro y finalmente cerrar con guitarra. Un cierre hermoso a un breve pero gran disco que bien pudo ser un EP. </p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">8/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Ejecución</b>: las AHS no son absolutamente virtuosas, pero es sumamente destacable que logren un sonido “tan lleno” siendo un trío. En algunas canciones (Breath of life) echan mano de una segunda guitarra pero esto no les resta ningún mérito, todo lo contrario.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span lang="EN-US">7.5/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Originalidad</b>: Echando mano de <i>rock espacial</i>, <i>rock psicodélico</i>, <i>folk-progresivo</i> y <i>dream pop</i>, la AHS concretan un sonido muy particular de muy compleja sencillez.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">7.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Líricas</b>: /10 (cuando aprenda japonés opino).</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Valoración personal</b>: AHS da en el clavo en mucho del sonido que me gusta, rock espacial, <i>jammings</i> largos, algo de folk y progresiones sencillas que crean una atmósfera y puede ser escuchado en cualquier momento. A mi gusto un vocalista masculino resultaría más interesante para el sonido que logran, y Mineko podría ser segunda voz, además de esto el idioma japonés no ayuda sobre el sonido logrado que consiguen (el sonido del idioma japonés es cacofónico).</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">7/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">Puntaje general: <span style="font-size:26.0pt;line-height:115%">7.5/10<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span lang="EN-US">Download: </span><a href="http://www.mediafire.com/?kngq6n396jbalt3"><span lang="EN-US">http://www.mediafire.com/?kngq6n396jbalt3</span></a><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p>Alexandros Demoshttp://www.blogger.com/profile/05242339329175547869noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6177890593212118320.post-71174901310520679432011-08-04T08:32:00.000-07:002011-08-05T09:47:13.183-07:00The Beatles-Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967)<div><br /></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAqLj8x0Urxldfb4yzu6pwh5JNg1x9u0-SBgUh1uUBG-qQTmSTtAUz1gnGYEqDvEhjYpA5GsYrDkVTfXIv7GZkE_RdDwt9aM2Y2zxqJIrHeNFpBka_VJRM5f7PczPhH864vx2s_c12t90/s1600/beatles-sgt-pepper.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAqLj8x0Urxldfb4yzu6pwh5JNg1x9u0-SBgUh1uUBG-qQTmSTtAUz1gnGYEqDvEhjYpA5GsYrDkVTfXIv7GZkE_RdDwt9aM2Y2zxqJIrHeNFpBka_VJRM5f7PczPhH864vx2s_c12t90/s400/beatles-sgt-pepper.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5637024885663096626" /></a><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b>Composición</b>: La música del Sargento Pimienta es una evocación, una sombra de lo que se había iniciado a principios del año 1967. A inicios de ese año salió el primer disco de <i>The Doors</i>, y luego saldría el primer disco de <i>Velvet Underground</i>. Los Beatles, que no eran más que un cuarteto generador de ventas pero que nada o muy poco tenían que ver con verdadera composición musical, notaron el cambio en el mercado y le dieron un toque “más fuerte” a su sonido embriagado de pop, que hasta el momento se empaquetaba por montones para generar y sostener una marca: The Beatles. Para cuando este disco salió <i>Bob Dylan</i> ya tenía en su haber dos piezas maestras: <i>Highway 61 revisited</i>, y <i>Blonde on Blonde</i>, los <i>Rolling Stones</i> venían explorando sonidos más densos desde hace por lo menos tres años antes, y más aun, los <i>Beach Boys</i> habían lanzado un año atrás el <i>Pet Sounds</i>. Los Beatles llegaban tarde a la fiesta, e intentaban ponerse al día con todos los pormenores sin poder concretar o afianzarse verdaderamente en un solo sonido. Por momentos querían tener un sonido más fuerte como los Stones venían haciéndolo o como The Doors (Sgt peppers lonely hearts club band, Sgt peppers lonely hearts club band (reprise), A day in the life), buscaban explorar sonidos como Velvet Underground estaba desenvolviendo (within you without you), composiciones que escuchadas ahora suenan ridículas, sobre todo esta última donde los Beatles se revisten de un sonido oriental que suena falso en el mejor de los casos, o buscaban afianzarse en el mercado del pop con armonías vocales (She´s leaving home). Estas composiciones mediocres estaban salpicadas de <i>fillers</i> pop cuya novedad era llenarlas de arreglos (sonidos experimentales) logrados con una millonaria producción pop generadas con sintetizadores usados para lo que aparentemente pretendía ser un circo, un circo de horrores por supuesto (Getting better, Being for the benefit of mr Kite!, when im sixty-four). Sin embargo el sonido aburrido típico de los Beatles (<i>hooks</i> comerciales) no había desaparecido (Lovely rita, Lucy in the Sky with diamonds, Good morning good morning). En los intentos por lograr un sonido más “complejo” suenan falsos, ni poniendo toda su voluntad en ello los Beatles estaban capacitados para crear una composición progresiva, pero en este disco juegan con eso (A day in the life), cosa que no lograrían de forma decente sino hasta el <i>Abbey Road</i> (1969) (Golden Slumbers, Carry that weight). Esta última canción de la placa (A day in the life) es quizás la pieza rescatable del disco, la cual parece más bien inspirada por Frank Zappa (<i>Freak out!</i>) uno de los pioneros del rock progresivo, así la canción inicia con una melodía pop típica de Lennon, continua con una melodía pop típica de McCartney, para terminar auto-saboteándose ambas la una a la otra anteponiéndose y superponiéndose en una especie de tragicomedia menor, como si los Beatles estuvieran desesperados por huir de si mismos y su sonido pop. Cualquiera lo estaría.</p><p class="MsoNormal" style="text-align:justify">Es destacable sin embargo su habilidad para hallar y explotar ganchos comerciales, estos últimos muy bien acompañados por las voces suaves de Lennon, McCartney y Harrison que son en última instancia la principal virtud de los Beatles, ya que musicalmente no aportaban mucho en comparación a lo que sus contemporáneos venían haciendo. Este disco no es ni de lejos la pieza maestra que algunos críticos musicales quieren hacer creer, de hecho es un disco de transición (al igual que <i>Revolver</i>, siendo este último un poco superior) entre el intragable sonido pop de los Beatles de sus inicios con un sonido maduro y digerible de los Beatles tardíos que no realizarían sino hasta su siguiente disco (<i>The Beatles</i> o <i>White Album</i>), un disco doble dos años después del disco doble de Frank Zappa y Bob Dylan. Otra vez los Beatles llegaban tarde a la fiesta, pero esta vez al menos traían algunos trucos interesantes bajo la manga.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">5.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Ejecución</b>: Ninguno de los Beatles fue un músico destacado. Cumplen con lograr entregar el sonido que buscan sin que sobresalga ningún instrumento, y en algunos casos incluso la música destaca por su pobreza de ejecución pese a su gran producción (Sgt pepper lonely heart club band, Sgt pepper lonely heart club band (reprise)). Cuando los Beatles se alejan del sonido pop y armonías entregadas con ternura, se “desbaratan”, y sus piezas “rockeras” como esta última suenan a un intento fallido por la familia Ingalls de sonar “salvajes”. Parecen un cuarteto de niños buenos intentando lucir rudos. Su fuerte, como mencionara antes, estaba en sus voces suaves entregadas con ternura y es por eso que suenan mejor como un cuarteto de armonías vocales acompañados de un piano suave o una guitarra que como una banda de rock propiamente dicho.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Originalidad</b>: Los Beatles llegaron tarde a la fiesta.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">4/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Líricas</b>: Si en algo se destacaron los Beatles fue en sus letras sosas, por lo menos en sus primeros discos, y en este disco de transición no son la excepción. Sus letras se dirigen por completo a la gran masa femenina que los seguía –y sigue siguiéndolos- se orientaban a crear versos que no llegan a ser ni malos versos melosos al estilo del poeta Bécquer, sino que rozan lo patético (“<i>What do i do when my love is away./</i><i><span style="font-size:7.5pt;mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height: 115%;font-family:"Verdana","sans-serif";color:black"> </span></i><i><span lang="EN-US">(does it worry you to be alone)/</span></i><i><span lang="EN-US" style="font-size:7.5pt;mso-bidi-font-size:11.0pt; line-height:115%;font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-ansi-language: EN-US"> </span></i><i><span lang="EN-US">How do i feel by the end of the day/</span></i><i><span lang="EN-US" style="font-size:7.5pt; mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height:115%;font-family:"Verdana","sans-serif"; color:black;mso-ansi-language:EN-US"> </span></i><i><span lang="EN-US">(are you sad because you're on your own)/</span></i><i><span lang="EN-US" style="font-size:7.5pt;mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-ansi-language:EN-US"> </span></i><i><span lang="EN-US">No i get by with a little help from my friends,/</span></i><i><span lang="EN-US" style="font-size:7.5pt; mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height:115%;font-family:"Verdana","sans-serif"; color:black;mso-ansi-language:EN-US"> </span></i><i><span lang="EN-US">Do you need anybody,/</span></i><i><span lang="EN-US" style="font-size:7.5pt; mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height:115%;font-family:"Verdana","sans-serif"; color:black;mso-ansi-language:EN-US"> </span></i><i><span lang="EN-US">I need somebody to love./</span></i><i><span lang="EN-US" style="font-size:7.5pt;mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height:115%;font-family: "Verdana","sans-serif";color:black;mso-ansi-language:EN-US"> </span></i><i><span lang="EN-US">Could it be anybody/</span></i><i><span lang="EN-US" style="font-size:7.5pt;mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-ansi-language:EN-US"> </span></i><i><span lang="EN-US">I want somebody to love</span></i><span lang="EN-US">.” (<i>With a little help of my friends</i>)). </span>Sus letras buscan crear un gancho romántico en los corazones de las adolescentes que los seguían, logrando aplacar la sed adolescente de “artistas de rock” con sensibilidad. Una sensibilidad muy mal entendida por supuesto. En muchos casos las letras de los Beatles parecen forzadas para encajar con la melodía pegajosa que habían compuesto, y terminan por escribir algo por debajo de muy malo (<i>Good morning good morning</i>), en otros casos dejan que sus fantasías orientales los guíen de la mano de Harrison, escribiendo pseudo-Salmos religiosos (“<i>We were talking-about the space between us all/</i><span style="font-size:7.5pt;mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height: 115%;font-family:"Verdana","sans-serif";color:black"> </span><i>And the people-who hide themselves behind a wall of illusion/</i><span style="font-size:7.5pt;mso-bidi-font-size:11.0pt; line-height:115%;font-family:"Verdana","sans-serif";color:black"> </span><i>Never glimpse the truth-then it's far too late-when they pass away./</i><span style="font-size:7.5pt;mso-bidi-font-size: 11.0pt;line-height:115%;font-family:"Verdana","sans-serif";color:black"> </span><i><span lang="EN-US">We were talking-about the love we all could share-when we find it/</span></i><span lang="EN-US" style="font-size:7.5pt;mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-ansi-language:EN-US"> </span><i><span lang="EN-US">To try our best to hold it there-with our love/</span></i><span lang="EN-US" style="font-size:7.5pt;mso-bidi-font-size:11.0pt;line-height:115%; font-family:"Verdana","sans-serif";color:black;mso-ansi-language:EN-US"> </span><i><span lang="EN-US">With our love-we could save the world-if they only knew. </span>(Within you without you</i>)). En el mejor de los casos, como cantan en la primera canción de la placa, los Beatles pueden arrancarle a uno en este disco una sonrisa con sus letras, y en el caso más realista, como cantan en <i>Good morning good morning</i>, no tienen nada que decir.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">4.5/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Valoración personal</b>: algunas de estas canciones (Lucy in the sky with diamonds, with a litle help of my friends, A day in the life), las vengo escuchando desde muy chico, es difícil crecer en una ciudad sin ser “iniciado” musicalmente por alguien con los Beatles. Estas canciones me sacan una sonrisa aunque entiendo que musicalmente no tienen valor.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">7/10</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>Puntaje general</b>: este es un disco concepto que falla en entregar lo que quiere entregar, esto es una experiencia conjunta; termina por ser un disco pop más orientado por canciones dispersas cada una cantando alguna sensiblería inmediata y del todo prescindible. De hecho este es un disco flojo aun para los estándares de los Beatles, si este hubiera sido su primer disco habría pasado desapercibido, pero ellos arrastraban consigo una popularidad enorme y cualquier cosa que sacaran iba a ser bien recibidos, y canciones como <i>Lucy in the sky with Diamonds</i> o pseudo-Composiciones progresivas (no llega a ser una) como <i>A day in the life</i> fueron más que bien recibidos por el público general y la crítica que estaba preparada a alabar cualquier sonido que los Beatles realizaran, y ellos le dieron exactamente lo que lo que el público y la crítica deseaba: un disco que imitara ser un disco concepto pero que en el fondo no dejara de ser música pop sin trascendencia. Muchas personas dicen que este disco es “una obra maestra”, ¿por dónde? Cuántas de esas personas escuchan este disco completamente, más bien ellos tienen un disco variado de <i>singles</i> de los Beatles donde, con suerte, hay 1 o 2 canciones de esta placa. Este disco es aburrido, e imagino que quien no piensa así debe escucharlo constantemente. No lo creo. </p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span style="font-size:26.0pt; line-height:115%">5.2/10<o:p></o:p></span></p>Alexandros Demoshttp://www.blogger.com/profile/05242339329175547869noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6177890593212118320.post-38689767604925404822011-08-04T08:18:00.000-07:002011-08-04T08:27:11.584-07:00Música en el marco socio histórico (Introducción-parte I)<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgU5-uitMNhQ2mHKWGseJCHZKb6Gbzh2C7JoDwpMpbvCkPM5rA5hyqEd9vGjMcRtbpFUrI2qtmLl3dEaujQMboVuM41eKdpNSQ6Hs7T5SA7TAdwKhsSQLbDVZEo5e8sw9pCG1v7aaSwzhE/s1600/John%252BLennon%252B%252BYoko%252BOno%252BWARisOver.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 314px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgU5-uitMNhQ2mHKWGseJCHZKb6Gbzh2C7JoDwpMpbvCkPM5rA5hyqEd9vGjMcRtbpFUrI2qtmLl3dEaujQMboVuM41eKdpNSQ6Hs7T5SA7TAdwKhsSQLbDVZEo5e8sw9pCG1v7aaSwzhE/s400/John%252BLennon%252B%252BYoko%252BOno%252BWARisOver.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5637022489508093762" /></a><br /><p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:18.0pt;line-height: 150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE">Las diversas manifestaciones humanas, desde la política y la economía, hasta las artes y la psicología, tienen un sentido y forman parte de un proceso global. El sentido histórico en la dialéctica de estas manifestaciones, modelan lo que entendemos por cultura y dan rumbo y sentido a las sociedades. La música responde a este proyecto. Para comprender la evolución musical, su forma y causas de manifestación, hay que comprender el contexto de dónde surgen y las motivaciones socioculturales que le dan forma, vida y sentido. Las raíces de la música occidental debemos buscarlas en el ritual y sus manifestaciones en la danza y el canto. En este sentido la música mantiene viva los estrechos lazos con la cotidianidad y el mundo real concreto de una manera representacional, es por esto que permite un análisis extra musical. El análisis de los registros musicales da luz a los movimientos culturales y sociales de su época. La música, como expresión humana de importancia, es indesligable del contexto de donde surge.<span> </span><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;line-height:150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:18.0pt;line-height: 150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE">Roberto Miró Quesada, en su ensayo <i>Música y sociedad</i>, analiza la estructura musical de las obras de Beethoven, Wagner, Stravinsky y Sch</span><span lang="ES" style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES;mso-bidi-font-weight:bold">ö</span><span style="font-family: "Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-ansi-language: ES-PE">enberg, con los acontecimientos sociales de la época y contexto de cada uno como marco mediador para la creación de la estructura de sus piezas más emblemáticas. Beethoven, testigo de la revolución francesa y el posterior impulso renovador de la burguesía de la época, superó la etapa clásica de la música y llevó el movimiento hacia el romanticismo, probablemente el mayor acontecimiento histórico de la música occidental. La revolución francesa devolvió a la burguesía los derechos de los que carecían y la clase social alta poseía; Beethoven creó la música popular en respuesta a esta acción afirmativa. Por otra parte, la invención del cromatismo<a href="file:///D:/My%20Documents/Trabajos/ensayos/Proyecto-m%C3%BAsica/M%C3%BAsica%20y%20sociedad.doc#_ftn1" name="_ftnref1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-size:12.0pt;font-family:"Tahoma","sans-serif"; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE;mso-fareast-language:ES;mso-bidi-language:AR-SA">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></a> de Wagner es la muestra, en escala reducida, de los macro cambios socio-económicos de su época. La manera en que la tenue sonoridad vertical de la orquesta Wagneriana alcanza hacia arriba y hacia abajo los tonos, destruye la antigua forma de la sonata y de la tonalidad sobre la que fue construida. Esto puede interpretarse como las contradicciones de la época, y la dialéctica, en el marco histórico, del progreso y el regreso como términos. La fuerza de los cambios tonales en las piezas Wagnerianas sólo puede ser entendida si sabemos que el atraso socio económico en <st1:personname productid="la Alemania" st="on">la Alemania</st1:personname> de Wagner fue producto del fracaso del sistema parlamentario y desembocó en el autoritarismo; este último fue capaz de desarrollar la industria de manera más efectiva que los regímenes parlamentarios, con lo que la separación inicial produjo un salto dialéctico que llevó a Alemania a aventajar a sus más grandes rivales hacia fines del siglo XIX. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;line-height:150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE">Wagner destruía simbólicamente la sonata Beethoviana, mientras el enfrentamiento de regimenes parlamentarios contra regimenes autoritarios destruían la aparente calma social alcanzada. Inicia la época de las innovaciones, a niveles macro los países europeos compiten por la superioridad económica y militar, dentro de las ciudades los individuos buscan la innovación que está a su alcance y en la música esto está representado por Sch</span><span lang="ES" style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES;mso-bidi-font-weight:bold">ö</span><span style="font-family: "Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-ansi-language: ES-PE">enberg y Stravinsky. Las evoluciones técnicas de Sch</span><span lang="ES" style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES;mso-bidi-font-weight:bold">ö</span><span style="font-family: "Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-ansi-language: ES-PE">enberg pueden ser leídas de dos maneras: como parte del proceso de evolución musical y como representación de un fenómeno moderno particular: el intento de pensar de manera distinta a través de innovaciones formales que conducen hacia un futuro histórico. <span> </span>Por otra parte Stravinsky trabaja la innovación desde el otro extremo, el ballet –la forma musical privilegiada por stravinsky- <span> </span>no centra la atención en la innovación de la música como fin en si mismo, sino que en su mayoría dramatizan el sacrificio del individuo (como fin en si mismo) a una colectividad humana. Las melodías rusas producidas, que privilegian los finales dramatizados y grandiosos, lleva al oyente al emocionalismo de las masas. Inicia el siglo XX y los movimientos sociales que desembocan en las dos primeras guerras mundiales están movidos por la pasión, al mismo tiempo la música popular sufre un cambio dramático,<span> </span>apoyada sobre la invención de los medios de comunicación masivos.<span> </span><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;line-height:150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;line-height:150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt;line-height: 150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE">Los medios de comunicación masivos como fenómeno evolutivo tecnológico impactaron sobre la creación y composición musical. Se superó el romanticismo y la innovación en la música, en el ámbito social se buscaban la simplicidad y eficacia, la música por su parte respondió a esta exigencia social abandonando la orquesta que fue reemplazada por instrumentos musicales simples y eficientes, al mismo tiempo que los movimientos o piezas fueron reemplazados por canciones de breve duración; se inicia el consumismo y la música sufre una transformación del ámbito de arte complejo a expresión popular, se convierte en una emoción inmediata ofrecida como producto en los medios de comunicación masivos. A la melodía instrumental se le agregó la voz como instrumento musical privilegiado. La primera mitad del siglo XX escribió un discurso político y un rumbo futuro histórico, sobre la base de la tensión capitalista frente al comunismo. La música, con la voz como instrumento privilegiado, expresaba su propio discurso, la voz del colectivo humano se representó en canciones populares en dónde el individuo podía identificarse. Por otro lado, el sincretismo cultural y la popularización de guetos expresó en la música la diferenciación racial y la asimilación cultural en el Blues, el R&B y el Jazz, entre otros. Estas expresiones musicales comparten como característica la libertad en la interpretación y composición, la construcción musical ecléctica las diferenciaban de las rígidas estructuras musicales anteriores, la música expresaba el descontento social al mismo tiempo que sugería una insurrección al apartamiento social. En todo el mundo el fracaso del nazismo y las formas de totalitarismo y la consecuente apertura a la tolerancia frente a los grupos humanos marginados tuvo su eco musical: los ritmos y expresiones de los guetos fueron fusionados con las rígidas estructuras musicales que habían dominado hasta ese momento. El <i>Rock and Roll</i><span> </span>nace de esta fusión en respuesta al cambio mundial vivido, en el marco de la tensión entre capitalismo y comunismo la juventud quiere expresarse e incursiona en la música con un sonido nuevo, representante de las nuevas ideas.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt;line-height: 150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt;line-height: 150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE"><span> </span>Al respecto Margaret Mead, en <i>Cultura y Compromiso: Estudio sobre la ruptura generacional</i>,<span> </span>menciona que en las sociedades postfigurativas<span> </span>se experimentan cambios tan lentos que la tercera generación no puede imaginar, en sus nietos, un destino distinto del de ellos. Las personas mayores no pueden visualizar cambios, por lo que transmiten a los descendientes la idea de una continuidad inmutable en la que se forja un fuerte sentido de identidad y destino. A inicios de la segunda mitad del siglo XX la juventud rompe de manera violenta sistemas sociales impuestos por los mayores, las nuevas ideas son introducidas y la bandera de expresión artística de la nueva generación es el <i>Rock And Roll</i>, la sociedad se convierte en postfigurativa. La tensión de la guerra fría y la guerra estadounidense contra el comunismo, graficado enteramente en el conflicto de Vietnam, son motivaciones primarias para la composición musical. Todos los cambios sociales son acompañados por la composición de melodías y letras de “poetas urbanos”, el individuo vuelve a ser un fin en si mismo y la música busca lo mismo. Surge el <i>Folk</i> en Estados Unidos con Bob Dylan como su mayor representante, en Latinoamérica Silvio Rodríguez y la ola de trovadores cubanos. La dialéctica política entre el capitalismo y el comunismo se ve impresa en las canciones de la trova y el Folk, estas se convierten en una música ideológica e intelectual. Se retorna a la composición musical compleja anterior a la revolución de Beethoven, pero la complejidad ya no está en la estructura de la composición melódica, sino en el contenido del discurso hablado. <span> </span>Así mismo, en las canciones del folk y la trova se da mayor importancia a la voz y contenido del mensaje que a la melodía musical, la cual pasa a ser un acompañamiento. Esto puede interpretarse como el símbolo de la importancia de <span> </span>la voz del individuo y su opinión por sobre su contexto. Los temas sociales son ahora directamente abordados, la música recoge de su contexto las problemáticas sociales y trata los temas abiertamente. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt;line-height: 150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt;line-height: 150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE">Al mismo tiempo que se da la expresión “culta” de la música en el Folk y la trova, se abre paso la música popular para grandes masas consumidoras, en su mayoría jóvenes. Las guitarras fuertes, que opacan la voz, y los estribillos repetitivos, con mensajes sencillos, parecen representar el silencio que el contexto social quiere imponer a la voz del individuo. En la música popular no se piensa, la música y el individuo no son un fin en si mismo, el baile y la música pensada como fondo que acompaña, y no para ser escuchada, son el fin.<span> </span>En la música popular se retorna a Stravinsky, que no centra la atención en la música como fin en si mismo, sino que dramatiza el sacrificio del individuo (como fin en si mismo) a una colectividad humana. Las melodías populares, como las rusas producidas por Stravinsky, privilegian los finales dramatizados y grandiosos, lleva al oyente al emocionalismo de las masas. <span> </span>Existe una contraposición entre la música “culta”<span> </span>y la popular, comparables a los sistemas de gobierno y políticas <span> </span>que en el mundo predominan: por un lado la sociedad del consumo e inmediatismo, en donde los bienes dan sentido al individuo, por el otro la complejidad de la utopía de la igualdad del capital, en donde el valor del individuo está en si mismo y no en las posesiones materiales. <span> </span><span> </span><span> </span><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt;line-height: 150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt;line-height: 150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE">Para que el equilibrio sea reimpuesto en las sociedades postfigurativas se debe tomar en cuenta la reaparición generacional del desafío edípico a la autoridad masculina, en estas sociedades se les permite un tiempo de rebeldía a los jóvenes, luego de lo cual la continuidad inmutable es reestablecida por ellos mismo. Los años ochenta<span> </span>y noventa representan para la sociedad y el proceso de evolución musical el reestablecimiento a la continuidad inmutable. El capitalismo “gana” y la música, más que nunca, se convierte en un producto en venta. Tanto en la sociedad como en la música predomina lo prefabricado, las tiendas de comida rápida y las computadoras se vuelven parte de la cultura, en tanto que los grupos musicales pensados y creados como un negocio rentable proliferan. El siglo XXI se inaugura con un fuerte movimiento musical llamado “Rock de garaje”, bandas como Strokes, Libertines o Hives simplifican al máximo el sonido, componiendo melodías para no más de tres instrumentos, y el mensaje social retorna a las líricas. Bandas como Radiohead representan la nueva “revolución social” y el aparente retorno a una sociedad postfigurativa. Actitudes que desafían las exigencias sociales y económicas, como la distribución de su música de manera gratuita a través del Internet, son provocaciones al orden preestablecido. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt;line-height: 150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt;line-height: 150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE">Desde Beethoven hasta el rock de garage y Radiohead, la historia de la música parece seguir un patrón circular repetitivo de revolución, discurso y reestablecimiento del orden. Que parece seguir los movimientos históricos bajo la interpretación Hegeliana de la misma, una progresión en la que cada movimiento sucesivo surge como solución de las contradicciones inherentes al movimiento anterior. De cualquier forma, para comprender la evolución musical, su forma y causas de manifestación, hay que comprender el contexto de dónde surgen y las motivaciones socioculturales que le dan forma, vida y sentido.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt;line-height: 150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE"><o:p> </o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align:justify;text-indent:35.4pt;line-height: 150%"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:ES-PE"><o:p><br /></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-left:18.0pt"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif"; mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-ansi-language:ES-PE">Referencias:<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="margin-left:18.0pt"><span style="font-family:"Tahoma","sans-serif"; mso-bidi-font-family:"Times New Roman";mso-ansi-language:ES-PE"><o:p> </o:p></span></p> <p style="margin-left:36.0pt;text-indent:-18.0pt;mso-list:l0 level1 lfo1; tab-stops:list 36.0pt"><!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="mso-bidi-font-size: 8.5pt;font-family:Symbol;mso-fareast-font-family:Symbol;mso-bidi-font-family: Symbol;color:black"><span>·<span style="font:7.0pt "Times New Roman""> </span></span></span><!--[endif]--><span lang="EN-US" style="mso-bidi-font-size:8.5pt; font-family:"Tahoma","sans-serif";color:black;mso-ansi-language:EN-US">Hargreaves, David J. (1997). <strong><i><span style="font-family: Tahoma, sans-serif; ">The social psychology of music</span></i></strong>. <st1:place st="on"><st1:placename st="on">Oxford</st1:placename> <st1:placetype st="on">University</st1:placetype></st1:place> Press. <o:p></o:p></span></p> <p><span lang="EN-US" style="mso-bidi-font-size:8.5pt;font-family:"Tahoma","sans-serif"; color:black;mso-ansi-language:EN-US"><o:p> </o:p></span></p> <p style="margin-left:36.0pt;text-indent:-18.0pt;mso-list:l0 level1 lfo1; tab-stops:list 36.0pt"><!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="mso-bidi-font-size: 8.5pt;font-family:Symbol;mso-fareast-font-family:Symbol;mso-bidi-font-family: Symbol;color:black"><span>·<span style="font:7.0pt "Times New Roman""> </span></span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="mso-bidi-font-size:8.5pt; font-family:"Tahoma","sans-serif";color:black">Mead, M. (1970). <i>Cultura y compromiso. Estudio sobre la ruptura generacional</i>. Buenos Aires: Granica, 1971.<o:p></o:p></span></p> <p><span lang="ES" style="mso-bidi-font-size:8.5pt;font-family:"Tahoma","sans-serif"; color:black"><o:p> </o:p></span></p> <p style="margin-left:36.0pt;text-indent:-18.0pt;mso-list:l0 level1 lfo1; tab-stops:list 36.0pt"><!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="mso-bidi-font-size: 8.5pt;font-family:Symbol;mso-fareast-font-family:Symbol;mso-bidi-font-family: Symbol;color:black"><span>·<span style="font:7.0pt "Times New Roman""> </span></span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="mso-bidi-font-size:8.5pt; font-family:"Tahoma","sans-serif";color:black">Miró Quesada, Roberto. (1989) <strong><i><span style="font-family: Tahoma, sans-serif; ">Música y sociedad</span></i></strong>. Ensayo.<o:p></o:p></span></p> <p style="margin-left:18.0pt"><span lang="ES" style="mso-bidi-font-size:8.5pt; font-family:"Tahoma","sans-serif";color:black"><o:p> </o:p></span></p> <p style="margin-left:36.0pt;text-indent:-18.0pt;mso-list:l0 level1 lfo1; tab-stops:list 36.0pt"><!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="mso-bidi-font-size: 8.5pt;font-family:Symbol;mso-fareast-font-family:Symbol;mso-bidi-font-family: Symbol;color:black"><span>·<span style="font:7.0pt "Times New Roman""> </span></span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="mso-bidi-font-size:8.5pt; font-family:"Tahoma","sans-serif";color:black">White, Avron Levine. (1987)<span> </span><strong><i><span style="font-family: Tahoma, sans-serif; ">L</span></i></strong></span><strong><i><span lang="EN-US" style="font-family: Tahoma, sans-serif; color: black; ">ost in music. Culture, style, and the musical event. </span></i></strong><strong><span lang="ES" style="font-family: Tahoma, sans-serif; color: black; ">London New York : Routledge and Kegan Paul.</span></strong><b><i><span lang="ES" style="mso-bidi-font-size: 8.5pt;font-family:"Tahoma","sans-serif";color:black"> <o:p></o:p></span></i></b></p> <p><b><i><span lang="ES" style="mso-bidi-font-size:8.5pt;font-family:"Tahoma","sans-serif"; color:black"><o:p> </o:p></span></i></b></p> <p><b><span lang="ES" style="font-family: "Tahoma","sans-serif";mso-bidi-font-family:"Times New Roman"">Consultas en red:<o:p></o:p></span></b></p> <p style="margin-left:36.0pt;text-indent:-18.0pt;mso-list:l0 level1 lfo1; tab-stops:list 36.0pt"><!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="mso-bidi-font-size: 8.5pt;font-family:Symbol;mso-fareast-font-family:Symbol;mso-bidi-font-family: Symbol;color:black"><span>·<span style="font:7.0pt "Times New Roman""> </span></span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-family:"Tahoma","sans-serif"; mso-bidi-font-family:"Times New Roman"">Agudelo, Graciela. <i>La música: un factor de evolución social y humana</i>. Consultado en: http://www.iieh.org/Educacion/articulos_educacion01.php</span><span lang="ES" style="mso-bidi-font-size:8.5pt;font-family:"Tahoma","sans-serif";color:black"><o:p></o:p></span></p> <p><span lang="ES" style="mso-bidi-font-size:8.5pt;font-family:"Tahoma","sans-serif"; color:black"><o:p> </o:p></span></p> <p style="margin-left:36.0pt;text-indent:-18.0pt;mso-list:l0 level1 lfo1; tab-stops:list 36.0pt"><!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="mso-bidi-font-size: 8.5pt;font-family:Symbol;mso-fareast-font-family:Symbol;mso-bidi-font-family: Symbol;color:black"><span>·<span style="font:7.0pt "Times New Roman""> </span></span></span><!--[endif]--><span lang="EN-US" style="mso-bidi-font-size:8.5pt; font-family:"Tahoma","sans-serif";color:black;mso-ansi-language:EN-US">Classical Net. http://www.classical.net/<o:p></o:p></span></p> <p><span lang="EN-US" style="mso-bidi-font-size:8.5pt;font-family:"Tahoma","sans-serif"; color:black;mso-ansi-language:EN-US"><o:p> </o:p></span></p> <p><span lang="EN-US" style="mso-bidi-font-size:8.5pt;font-family:"Tahoma","sans-serif"; color:black;mso-ansi-language:EN-US"><o:p> </o:p></span></p> <div><!--[if !supportFootnotes]--> <hr align="left" size="1" width="33%"> <!--[endif]--> <div id="ftn1"> <p class="MsoFootnoteText"><a href="file:///D:/My%20Documents/Trabajos/ensayos/Proyecto-m%C3%BAsica/M%C3%BAsica%20y%20sociedad.doc#_ftnref1" name="_ftn1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="EN-US"><span><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span lang="EN-US" style="font-size:10.0pt;font-family: "Times New Roman","serif";mso-fareast-font-family:"Times New Roman";mso-ansi-language: EN-US;mso-fareast-language:ES;mso-bidi-language:AR-SA">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span lang="ES"> La escala cromática es la escala que contiene los doce semitonos de la escala temperada occidental. Todas las otras escalas en la música occidental tradicional son subconjuntos de esta escala. Wagner implementó una escala particular, llamada escala Wagneriana. (http://www.classical.net/)<o:p></o:p></span></p> </div></div>Alexandros Demoshttp://www.blogger.com/profile/05242339329175547869noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6177890593212118320.post-71133244487976835772011-08-03T02:06:00.000-07:002011-08-04T08:56:15.835-07:00Sonidos en el café<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDzkDHC-XVPd6jj8becGAD-zSGLyRfFdDmZS4PSUq5tsIRJrEQ-ffGFYlOkBQ6ixrT3OT3dyCfLcefv3GUDDpGY-runM3pFBhR2Zg-3yTavHHmdQEgirYZO9uD9ZjmaCXfRiWhsktPALI/s1600/sound.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 310px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDzkDHC-XVPd6jj8becGAD-zSGLyRfFdDmZS4PSUq5tsIRJrEQ-ffGFYlOkBQ6ixrT3OT3dyCfLcefv3GUDDpGY-runM3pFBhR2Zg-3yTavHHmdQEgirYZO9uD9ZjmaCXfRiWhsktPALI/s400/sound.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5636557221225791586" /></a><br /><div style="text-align: justify;">Con este post estreno un nuevo blog el cual deseaba hacer desde hace mucho. En este blog me dedicaré exclusivamente a la música, estaré posteando ratings de discos o piezas musicales, así como canciones, breves ensayos o información sobre la música en general. Más adelante también espero postear música creada por mí, ya sea en programas en la computadora o interpretada por mí (guitarra y voz). <span style="mso-spacerun:yes"> </span>Con esto mi otro blog <a href="http://entabladoenelcafe.blogspot.com/">http://entabladoenelcafe.blogspot.com/</a>, queda exclusivamente como una plataforma literaria.</div> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">Es importante mencionar que no soy un entrenado musical, y mi valoración, aunque entendida y leída, es amateur, no profesional. La música es el arte que me ha seducido a más temprana edad, y probablemente sea la última que me seduzca en mi última edad, como tal nunca he estado alejado de ella y he buscado acercarme a ella con estudios musicales en L´Art (<a href="http://www.pentatonico.com/academias-lima/lart-escuela-de-musica-y-sonido/">http://www.pentatonico.com/academias-lima/lart-escuela-de-musica-y-sonido/</a>), aprendiendo y tocando la guitarra de forma autodidacta desde los 11 años, investigando sobre música y sobre todo escuchando música de cualquier tipo. El consumo de algo nos vuelve críticos de lo mismo, así la crítica musical ha sido y es parte de mi “canon musical”. En este sentido estaré, quizás mayoritariamente, posteando revisiones sobre discos o piezas musicales, pues la crítica musical me permite de alguna forma juntar dos cosas que me gustan mucho: la escritura y la música. Si uno no es un gran literario o un gran músico, pues habrá que convertirse en un crítico de música. <span style="mso-spacerun:yes"> </span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">Para otorgarle un puntaje a los álbumes o piezas musicales revisadas he creado una forma personal de valoración, donde considero los siguientes aspectos:</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b style="mso-bidi-font-weight: normal">Composición</b>: La composición general de la música. En este aspecto reviso melodía, armonía, arreglos y orquestación. Asimismo, aunque no es parte en si misma de la composición, en este punto también reviso la producción, pues en la música grabada para “consumir en casa” se vuelve parte ineludible de la propia composición. En este sentido por ejemplo, incluso grandes composiciones de música clásica pueden verse marchitadas por una producción pobre o inadecuada, que es una de las características de las grabaciones de música clásica, que es a su vez uno de los motivos por los cuales ha sido difícil difundirla en las nuevas generaciones, viéndola o entendiéndola como música “muy compleja” y acercándose a ella con miedo o mucho respeto, o en el peor de los casos tildándola de “aburrida” (nada más lejos de la verdad), por el sonido anacrónico que suelen favorecer en su producción. </p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b style="mso-bidi-font-weight: normal">Ejecución</b>: La habilidad y/o talento para ejecutar la pieza musical por parte de los músicos.</p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b style="mso-bidi-font-weight: normal">Originalidad</b>: Este punto es la extensión de los dos primeros –y quizás el más importante-, en relación a la originalidad de la composición o la originalidad de la interpretación que imprime el artista a la música. En ese sentido por ejemplo, la música avant-garde puede recibir una mayor consideración pues en muchos casos busca expandir el repertorio musical de las formas de música conocidas y reconocidas; en otro sentido puedo premiar con puntaje alto una interpretación que dota de originalidad a la pieza. Por ejemplo, <span style="mso-ascii-font-family:Calibri;mso-fareast-font-family:Calibri; mso-hansi-font-family:Calibri;mso-bidi-font-family:"Times New Roman"">Karlheinz Stockhausen</span> recibiría un puntaje alto en este aspecto, ya que Stockhausen fue uno de los pioneros, sino el pionero absoluto en composición electrónica. La música electrónica después de él recibiría menor puntaje a menos que buscara expandir el sonido en diferentes direcciones. En el otro sentido, por ejemplo la música de Jimi Hendrix también recibiría<span style="mso-ascii-font-family:Calibri;mso-fareast-font-family:Calibri; mso-hansi-font-family:Calibri;mso-bidi-font-family:"Times New Roman""> </span>un puntaje alto, pues su ejecución de la guitarra, exclusivamente en el ámbito del rock, sigue siendo sin paralelos y de ahí su originalidad.<span style="mso-ascii-font-family:Calibri;mso-fareast-font-family:Calibri; mso-hansi-font-family:Calibri;mso-bidi-font-family:"Times New Roman""><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b style="mso-bidi-font-weight: normal">Líricas</b>: Las líricas no son un aspecto necesario y cuanto menos definitivo de la música. De hecho es algo accesorio, y más bien tardío en la música. No obstante se han vuelto parte <span style="mso-spacerun:yes"> </span>de la música popular, convirtiendo la música popular en una mezcla de poesía y música, o dicho de forma correcta, en poesía musicalizada, cuando anteriormente las diferencias entre la música y la poesía eran mucho más claras. En la música popular se da un fenómeno importante de resaltar, una letra buena puede mejorar una composición que de otra forma sería muy pobre, es el caso de muchos trovadores y de algunos grupos de punk, quienes elevan románticamente una melodía pobre, o dotan de mucha fuerza una composición paupérrima; asimismo una palabra colocada en el momento correcto reviste de belleza una música que de otra forma sería intolerable. Sin embargo el hecho que la gran mayoría de música popular actualmente venga acompañada de líricas, no significa necesariamente que estas sean logradas, de hecho esto es más bien la excepción a la regla. En este punto se hará una valoración exclusivamente al mensaje de las líricas, independientemente del talento para cantar del artista, en este sentido artistas populares como Bob Dylan o Leonard Cohen recibirían altos puntajes pese a su capacidad limitada para el canto. <span style="mso-spacerun:yes"> </span>De hecho cabe indicar que en muchos casos los mejores letristas suelen tener voces inaptas para el canto, se cumple así una máxima de David Byrne quien asegura que “<i style="mso-bidi-font-style:normal">mientras mejor es la voz del cantante, es más difícil creerle lo que está diciendo</i>”. </p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b style="mso-bidi-font-weight: normal">Valoración personal</b>: Se define por si mismo, esta es una valoración personal, subjetiva, y nada tiene que hacer con los aspectos antes mencionados. En ese sentido por ejemplo puedo dotar de un puntaje alto a una música a la que le tengo mucho aprecio por los recuerdos que me evoca, aunque pueda yo reconocer que no tiene ningún mérito artístico, o así también puedo dar una valoración muy baja a música que considero de gran logro como composición, pero que, por motivos que yo mismo no comprendo, no termina por agradarme o me agrada muy poco. </p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b style="mso-bidi-font-weight: normal">Puntaje general</b>: Mi rating musical va desde el -5 (un álbum o pieza musical que es tan malo que puede resultar intolerable) hasta el 10 (el álbum o pieza musical perfecta). En mi rating musical considero números negativos ya que creo firmemente que la música, tanto como puede entretener, enaltecer, y hacer sentir cosas en general positivas, también puede hacer exactamente lo contrario, en cuyo caso se convierte en, según entiendo yo, dañina física y emocionalmente. Es por ello que en el puntaje considero los números negativos. Sólo considero las fracciones medias (8.5, por ejemplo). A cada uno de los aspectos mencionados le asigno un valor, el puntaje total es la suma del puntaje de todos estos aspectos, y la división entre 5, es decir la media. En los casos en que no haya uno o más aspectos (por ejemplo líricas), será la suma del puntaje de los restantes y la división entre el número de aspectos valorados. </p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">Las elecciones de los discos que evaluaré serán al azar, según mi ánimo me dicte o lo que esté escuchando en el momento. Aunque estaré haciendo revisiones de toda clase de música, buscaré dar un espacio especial para artistas nacionales o poco conocidos para contribuir a difundirlos al menos a través de esta ventana miniatura.</p><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"></p><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span class="apple-style-span"><span style="font-size:8.0pt;line-height:115%;font-family:"Georgia","serif"; color:black">Imagen extraida de: <a href="http://cheezeworld.com/managing-sounds-and-music-in-actionscript-3/">http://cheezeworld.com/managing-sounds-and-music-in-actionscript-3/</a></span></span><span style="font-size:8.0pt;line-height:115%"><o:p></o:p></span></p><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span class="Apple-style-span"><br /></span></p>Alexandros Demoshttp://www.blogger.com/profile/05242339329175547869noreply@blogger.com0